Ignición, cinética y ceniza ... Cai Guo-Qiang

Cai Guo-Qiang, (China, 1957), uno de esos artistas para el cual el proceso creativo es la parte primordial, expresa a través del fuego, dibuja con la combustión de la polvora. Dejando una marca sutil en la retina y una quemadura en la memoria.

Ignición y temporalidad

Efimera combustión, la obra es un performance, somos parte de la experiencia creativa,dibujos hechos de humo, como Arcoiris negro (Edinburgo, 2005) , fuego progresivo en fachadas como Fallen Blossoms (Philadelphia, 2009) , sobresalta, el fuego artificial que pasa de mero entretenimiento a ser detonador de una idea o un sentimiento.

Combustión y sombras

Pasamos a la obra resultado de la experiencia creativa, los dibujos hechos a traves de ese fuego purificador que viene al quemar con polvora, dibujos a gran escala cubriendo paredes completas, siluetas antagonistas de las sombras blancas de las explosiones nucleares, siluetas que podrian ser los objetos estallando, ardiendo y quedando registrados en el papel.

Tridimensionalidad y cinética.

La instalación no deja de ser impresionante, autos que estallan, inmóviles en el espacio (Innoportune, 2008), el fuego queda suspendido en progresión, la explosión es madera o pequeños dispositivos luminosos que salen, se congelan los instantes y la energía desprendida es palpable. Caminamos a lado de algunos lobos (Head On, 2006) hechos de piel de oveja, corriendo acumulándose hasta que un muro invisible detiene a este vertiginoso torrente de lobos, el mismo impacto al espectador esta vez sin las explosiones, dejándome con esa sensación de que somos como esa manada, corriendo sin sentido y estrellándonos para caer muertos sin saber que era lo que perseguiamos.

Esta semana del 22 al 26 se abre al público la creación de dibujos con polvora, en el estacionamiento del Museo Universitario de Arte Contemporaneo -MUAC- en el Centro Cultural Universitario, más información en el sitio del MUAC. A partir de diciembre podremos ver el montaje resultado de estos dibujos en dicho museo.

Aquí, parte del trabajo del día 24 de noviembre








Y lo que ahora se exhibe en el MUAC

Guillermo Eduardo Martínez Serrano

Fieltro y grasa… la resurrección de Joseph Beuys

Liebres muertas en collages plásticos, esculturas hechas con grasa y conferencias donde nos hacen conocer nuestro poder creativo, son sólo unas de las obras que Joseph Beuys expone para hacernos pensar no sólo en el arte, sino en la cotidianidad misma.

Joseph Beuys (Alemania 1921- 1986), fue uno de los artistas contemporáneos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX, no sólo por sushappenings y registros museográficos de estos, sino también por su posición critica, política y teórica que hizo al arte.

Su expresión artística estuvo definida por las experiencias de supervivencia derivadas de su alistamiento como piloto en la Segunda Guerra Mundial:

“se estrelló en Crimea y, a punto de morir congelado, unos nativos lo rescataron y lo envolvieron con grasa y fieltro para evitar su muerte”

Este evento marco su vida y la historia del arte, ya que sus acciones y esculturas (con la influencia del movimiento Fluxus), contienen fieltro y grasa como sello personal.

Joseph estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de escultura y en 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo, acercando el arte al público en general, exponiéndolo en lugares de mayor pobreza de las ciudades cosmopolitas y acabando con la distinción entre cotidianidad y arte.

En 1963 Beuys da el primer concierto de Fluxus, con una "Composición para dos músicos" en la cual presenta por primera vez una liebre muerta, a la cual en otra ocasión ofrece una conferencia sobre cuestiones artísticas. Para Beuys las obras de arte son tan efímeras como la vida, al final para completarlas necesitamos descifrarlas, por lo cual quiso crear obras para dar impulsos a la reflexión.

En su propuesta teórica, Beuys da la distinción de artista al espectador, rompiendo con el esquema institucional que ampara a los creadores legítimos y como comenta Eleanor Heartney en el libro Arte Hoy: “…erradica los criterios estéticos tradicionales por los que se juzga el arte (…)resulta difícil aplicar conceptos como originalidad, creatividad o intencionalidad a una obra que para su materialización depende de acontecimientos externos y de las acciones de los espectadores. La transformación del espectador en participante altera de forma radical la definición del artista, pues abre paso a la idea de que cualquiera puede serlo. Así lo practica Beuys defensor de lo que bautizo como escultura social.”5

En este contexto fundó, la Universidad Libre Internacional, junto al premio Nobel de literatura Heinrich Böll, donde expone: cada hombre es un artista, con facultades creativas que deben ser perfeccionadas y reconocidas.

La propuesta de Joseph es que la creatividad de ser humano lo hace artista en cualquier ámbito, y este poder, lo lleva a realizar acciones que ayuden no sólo en un ambiente estético, sino social y político, mejorando la calidad de vida de su entorno. Esto es lo que quiso expresar al exhortar a sus seguidores a plantar árboles, en una de sus obras más interesantes.

En 7000 oaks, proyecto de 1982 para la Documenta 7, exhorto a sus seguidores a sembrar 7000 árboles en Kassel, ciudad que había quedado convertida en cemento por el urbanismo de posguerra. Al lado de cada árbol colocaron una columna de basalto de 120 cm que representaba los esfuerzos creativos del individuo y el colectivo, con el tiempo, las columnas serian minimizadas por los propios árboles…

Sus acciones estaban enmarcadas en un ambiente catártico, bajo el cual, el espectador que realiza su lectura recrea la obra y obtiene un saneamiento cultural, por ejemplo en la obra donde estuvo conviviendo con un coyote durante tres días en una galería, en EU, esta tratando de hacer un pacto holístico entre el ser humano y la naturaleza, pero también entre el pueblo norteamericano y los indios que han sido despojados de sus tierras para crear una nación “libre”.

En 1979, el Museo Guggenheim de Nueva York exhibió una gran retrospectiva de su obra, consolidando su reputación como uno de los más importantes de su tiempo.1

Cabe mencionar que fue este siglo en el que artistas como Jhon Cage también se atrevieron a cuestionar la estética institucional haciendo conciertos con instrumentos musicales infantiles y con ejemplos transgresores como el siguiente: me parece escuchar el sonido de un camión de basura más bello que una sinfonía de música clásica.

En este contexto de crítica artística, Marcel Duchamp decidió hacer de su vida una crítica al arte y con su silencio creativo y dedicación al juego de ajedrez, demostró que en el arte, todo estaba hecho, un epitafio para el arte y sus "ismos" y una bienvenida al arte contemporáneo con sus citas, pastiches y reinterpretaciones que después de Andy Warhol y Joseph Beuys, veremos a manera de una manera creativa y con nuevos medios, pero nunca más novedosa.

Duchamp introdujo la cotidianidad en el museo, con sus ready mades, pero Beuys fue más allá al fundir el arte en la cotidianidad y borrar la frontera entre el museo y la calle, entre la obra de arte aurática y palpable y la obra efímera del performance, donde la acción y la obra mueren instantáneamente… dejando sólo el espacio a la reflexión.

Fluxus.

Fluxus, fue un movimiento neodadaísta que tuvo como objetivo difuminar los límites entre las artes. Fue un movimiento artístico que tuvo su momento más activo entre los sesenta y los setenta. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978), definiéndolo de la siguiente manera:

Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional

Fluxus pretendió hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte separándose de todo lenguaje específico; pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“.

1.-Adolfo Vásquez Rocca

en:

http://www.homines.com/arte_xx/joseph_beuys/index.htm

2.- Wikipedia:

http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Beuys

3.-Pablo Kummetz:

http://www.dw-world.de/dw/article/0,,1866805_page_2,00.html

4.- Wikipedia Fluxus:

http://es.wikipedia.org/wiki/Fluxus

5.- Arte Hoy. Heartney, Eleanor. Phaidon.

Gimena Ki Chan: Una propuesta creativa de recuperación del mundo infantil.

“Las personas mayores me aconsejaron abandonar el dibujo de serpientes boas, ya fueran abiertas o cerradas, y poner más interés en la geografía, la historia, el cálculo y la gramática. De esta manera a la edad de seis años abandoné una magnífica carrera de pintor. [...]. Las personas mayores nunca pueden comprender algo por sí solas y es muy aburrido para los niños tener que darles una y otra vez explicaciones.”

Antoine de Saint- Exupéry, El Principito, 1942

En la obra cumbre de Saint- Exupéry El Principito aparece una revalorización de las cosas que importan en el mundo infantil y que se van perdiendo al pasar de los años. El principito recibe un secreto de la serpiente: “lo esencial es invisible para los ojos”. En este relato se recupera la importancia de la vida y belleza de una flor así como la relevancia de la amistad y las relaciones humanas. Tanto en el texto como en las ilustraciones, hechas por el propio Saint- Exupéry, existe una referencia nostálgica por el mundo infantil y sus valores. Resulta poco frecuente encontrar a “personas mayores” que entiendan y compartan los valores del mundo infantil, sin embargo existen ejemplos relevantes, como la propuesta estética de la artista Gimena Ki Chan.

Ki Chan propone una estética infantil que demuestra, como las ilustraciones de El Principito, una melancolía por la pérdida de la infancia. En sus obras, que abarcan varios géneros, como pintura, dibujo, instalación y objetos logra la creación de un mundo paralelo, en donde la fantasía tiene cabida. A partir de la aplicación de una gama cromática de colores claros -predominando los rosas, verdes, beige y blancos contrastados con negro- la artista crea ambientaciones en donde la ternura domina el espacio.

La obra de Ki Chan recupera influencias estéticas de diversa índole; acervos populares de la cultura urbana, como caricaturas y manga japonés; tradiciones ancestrales vinculadas con prácticas zen, como el origami; así como la ilustración de libros para niños. Con dichas influencias la artista genera un estilo personal con una excelente técnica en donde conserva un halo de misticismo, así parece que existe algo detrás del misticismo de las piezas en las que, como para el principito, lo esencial es invisible para los ojos.

Josefa Ortega, Noviembre 2010.

infancia insatisfecha... Yoshitomo Nara

Cuando era niño, los mayores decían que no debía escuchar cosas de adultos, me hacían a un lado... pensaba que su mundo encerraba misterios y enorme sabiduría que hacia que los grandes tomaran las mejores decisiones y que en su conocimiento avanzado, el mundo era suyo, seguro, asertivo... ahora que soy adulto se que no lo es y quedan muchas dudas pendientes a encontrar respuesta, pero inconclusas escondidas en la madurez....

Esta es la sensación que me deja ver pinturas de Yoshimoto Nara, una sensación en primer lugar de insatisfacción infantil creada por estereotipos e ideologías añejas, donde se muestran niños sin manos o sin dedos, que recuerdan a la imagen de los obreros, campesinos y soldados “revolucionarios” de Orozco, pintados en San Idelfonso y que muestran la impotencia ante las injusticias sociales. Para Orozco la clase social trabajadora era la carne de cañon de las ideologías burguesas, para Nara, los niños son los afectados.

Más alla de sus imagenes de niños y perros naïves, Nara hace una protesta contra los valores sociales y estereotipos que se les imponen, valores heredados en medio de un clima de doble moral.

En una de sus obras vemos un infante con un cigarro... la ficción a sobrepasado la realidad y ahora uno de los videos más vistos en youtube nos muestran niños estresados tratando de dejar la adicción al tabaco.

En muchas otras obras, los infantes aparecen con cuchillos, bates y algunos utensilios de cocina, junto con una expresión facial que denota agresión y venganza. La protesta la hace desde la voz infantil: we don´t need no education, muy al estilo de Pink Floyd en The Wall.

El estilo de manga-cómic con que Nara se expresa, esta influenciado por la estética oriental y el estereotipo arbitrario de los ojos enormes de los occidentales, según el artista su estilo es un reflejo pop de la realidad japonesa y marca su ideología icónica con los preceptos de agresión en la música punk-rock: “I like punk rock, but not only as music, but as a sign of independence”

Otra parte de la obra de Yoshitomo Nara esta integrada por representaciones pictoricas o escultoricas de perros, que son los animales que pueden aprender a ser tan dociles como su dueño los amaestre (o eduque) y que al contrario de las expresiones faciales enojadas de los niños, muestran caras satisfechas y están expuestos en posturas circulares continuas.

Yoshimoto Nara nacio en Japón en el año de en 1959 y actualmente expone en el Asia Society Museum starting y en NY en the Park Avenue Armory. Museos en los cuales se presento su retrospectiva en un libro denominado Nobody is fool.

Al rescate del pasado

Arte Ecológico de Brandon Ballengée

La primicia del arte de Brandon Ballengée es la ecología y la preservación del ecosistema, que debido a la mano y explotación del ser humano, se ha visto vulnerado con el paso del tiempo, a tal grado que muchas especies de flora y fauna han sido extinguidos del planeta tierra, dejando un gran hueco en el ecosistema al que pertenecen y desencadenando problemas como plagas o calentamiento global.

El arte de Ballengée es un arte crítico, que responde a inquietudes mundiales, como lo es la preservación de la ecología y lo que hoy muy en boga se denomina Acciones Socialmente Responsables, pero más allá de eso y dejando volar su mente, lo que busca como creación es la recuperación de animales extintos, por medio de experimentar con distintos animales con características ancestrales específicas, en este caso: renacuajos.

Arte EcológicoPara hablar de Brandon, irremediablemente se llega al tema del “Arte Ecológico, un movimiento mundial cuya filosofía se basa en la protección del medio ambiente, la conservación de la flora y la fauna, y una convivencia armónica entre el ser humano y la naturaleza”. Nohra Corredor El término Arte ambiental (en inglés, Environmental art) o «Arte ecológico» se usa en dos sentidos diferentes.El primero puede usarse en referencia a un arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiente natural, mediante la conciencia de la fragilidad de la naturaleza, investigando fenómenos naturales, usando materiales naturales reunidos en el exterior y no contribuyendo a la degradación medioambiental. Por otro lado, el término también se usa para referirse a un arte específico de un lugar o a escultura medioambiental.

Las raíces del Arte Ecológico datan de finales de los años setenta. En sus primeras fases se relacionó sobre todo con la escultura (Specific-site art), el Land Art, el Arte Povera, habiendo crecido como una forma de crítica hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y potencialmente en desacuerdo con el medio ambiente natural. Al identificar el Arte ambiental su obra podría involucrar restaurar el paisaje inmediato para volverlo a un estado natural. Por ejemplo, a pesar de su mérito estético, la celebrada escultura del artista land art Robert Smithson Spiral Jetty (1969) implicó un daño permanente considerable al paisaje en el que trabajó. El paisaje se convirtió en una forma de campo de residuos. Smithson usó un bulldozer para raspar y cortar el paisaje, afectando al lago.

El arte se convertía entonces en otra forma de contaminación del medio ambiente.Un ejemplo de artista land art comprometido con el entorno, sería el británico Richard Long quien durante varias décadas hizo obra escultórica contemporánea en exteriores, reorganizando materiales naturales que encontraba en el lugar, como rocas, lodo o ramas, y que por lo tanto no tendrían ningún efecto perjudicial permanente.Hay otros artistas ambientales como el escultor holandés Herman de Vries, el escultor australiano John Davis y el escultor británico Andy Goldsworthy que de manera similar dejan el paisaje en el que han actuado sin daño alguno, y en algunos casos han hecho, en el proceso artístico, vuelto a cubrir de vegetación con flora autóctona adecuada tierras que habían resultado dañadas por el uso humano. De esta forma, la obra de arte suscita una sensibilidad hacia el hábitat, como lo es la obra que analizaremos de Ballengée.

Alan Sonfist, con su primera escultura histórica Time Landscape, puesta en la ciudad de Nueva York en 1965, visible hasta hoy en la esquina de Houston y LaGuardia en el Greenwich Village, presentó la idea ecologista de hacer regresar la naturaleza al medio ambiente urbano. Sonfist ha propuesto una red de semejantes lugares por toda el área metropolitana, como una forma de concienciar sobre el papel clave que debe desempeñar la naturaleza en los desafíos del siglo XXI.

Probablemente el ejemplo más famoso de Arte ambiental a finales del siglo XX fue 7000 Oaks (7.000 robles), una protesta ecologista que se representó en Documenta en 1982 por Joseph Beuys, en la que el artista y sus ayudantes subrayaron la condición del medio ambiente local intentando reforestar áreas contaminadas y dañadas con 7.000 robles.

Para Brandon Bellangée el arte Ecologico y sus influencias son descritas de la siguientes manera:

"Creo que el arte puede cambiar la forma de ver el mundo. En América del Norte, el paisaje pintoresco del valle del río Hudson, era un tema de Thomas Cole y los artistas de la Escuela del río Hudson. Cole simbólicamente pintada degradación de Hudson durante la revolución industrial, interpreto esto como una forma temprana de la conciencia ambiental y la protesta y quizás incluso artístico. Casi un siglo más tarde, Joseph Beuys, se bañó y nadó en los pantanos para aumentar la conciencia acerca de estos ecosistemas sensibles. Comparto la afición de Beuys con el barro, mi trabajo es creado a partir de la información, muestras y otros materiales recogidos en las encuestas sobre el terreno o generados en un laboratorio de biología. Mi objetivo es que el público a largo plazo se involucre, tratando de salvar sus ecosistemas locales y la gran diversidad de vida que se encuentra dentro, evitando las causas que originan ésta degradación"

Arte Ecológico y Tecnología.

El Arte Ecológico y la Tecnología son dos ramas que conviven en dialogo a menudo, ya que parte de los materiales de uso para la expresión artística, vienen de reciclaje de objetos naturales, por ejemplo esculturas hechas a partir de basura reciclada o modificada por medio de distintas técnicas; algunas de las obras requieren de maquinaria especializada para intervenir la naturaleza del paisaje, por ejemplo las esculturas de Smithson que utilizan montacargas y maquinaria pesada para realizar composiciones hechas con materia prima de la naturaleza con composiciones a gran escala. Incluso hay artistas que utilizan técnicas sencillas para intervenir procesos naturales, como las manchas de las mariposas por medio de pinchazos en sus alas, como lo hizo Marta de Menezes en sus obras.

Pero también el Arte Ecológico se basa en tecnologías más especializadas, por ejemplo la lógica de la genética que utiliza Brandon Ballengée para la obra a descifrar en este escrito, Species Reclamation.

Por otro lado, el mismo soporte de la obra también puede ser base de crítica, en primer lugar por utilizar seres vivos para la obra, ya lo vimos con la coneja fluorescente: Alba, de Eduardo Kac, ya que por cuestiones de ética, no es bien visto socialmente que se utilicen para hacer arte, sin embargo si para experimentos científicos.

La controversia no termina allí, se ha dado también en los límites que trastoca el arte, que va de lo antropológico, lo médico, lo tecnológico y la historia natural. Fronteras que se empiezan a borrar también en estas nuevas expresiones. Como ha pasado en el caso de Demian Hirts con sus obras de animales en formol y sus anaqueles repletos de material quirúrgico excesivamente clasificado, lo que nos hace preguntarnos ¿estamos en un museo de arte, en uno de antropología, o nos hemos perdido en el pabellón de un hospital?

Obra de Brandon Bellangée

Brandon Ballengée, es considerado un eco-artista y escultor social. Artista que hace pensar en las acciones del hombre que afectan al mundo, por medio de obras que desdibujan las barreras entre arte, biología, tecnología e investigación del ambiente.

Su entusiasmo por estos proyectos nace desde su infancia, como el mismo lo explica:

“crecí en una zona rural, rodeado de bosques y humedales, con pájaros de colores vibrantes y exóticos insectos y sapos. Un arroyo cercano desembocaba en un pantano que estaba lleno de vida misteriosa. Me pasaba muchas horas al día capturando salamandras de colores, diversas especies de peces, tortugas y otras criaturas fantásticas. La naturaleza era mi refugio y el aula.
Cuando era adolescente, los árboles más grandes fueron talados y vendidos a una empresa maderera. Hoy en día, la mitad del bosque se encuentra bajo una subdivisión de la vivienda y la mayor parte de la corriente de agua corre a través de tuberías. Es el mismo proceso en todas partes, ya que los ecosistemas han sido alterados o disminuidos por una creciente ola de hipermercados Wal-Mart, las cadenas de comida rápida, y la expansión continua de los suburbios”.

Gran parte de mis primeros trabajos se ocupó de este sentimiento de pérdida y se infunde con el tema clásico del hombre contra la naturaleza. Como este interés creció quería ir más lejos, así que comencé a colaborar con biólogos y participar en estudios ecológicos. Esto evolucionó en la realización de la investigación biológica primaria y la fusión de mi arte con estas prácticas. La Tierra, una vez más, se convirtió en mi pasión y objeto de estudio”.
El trabajo de Brandon trata sobre investigaciones de deformidades en Anfibios jóvenes, como ranas y sapos, con el fin de conocer si como raza humana, hemos hecho algo al ambiente para que estos seres tengan deformidades o es el curso de la naturaleza misma la que ha creado esos cambios.

"Como artista me concentro en la preservación de la vida silvestre y me preocupa la desaparición de la biodiversidad global, ambos deben ser vistos como un tema primordial”


Species Reclamation

Regeneración genética para la crianza inducida del HYMENO-CHIRUS CURTIPES en una línea temporal discontinúa.
Brandon Ballengée 1999 a la fecha

Esta obra es un enorme esfuerzo para recrear una especie desaparecida de una rana, la Hymenochirus curtipes, al cultivar selectivamente 2 especies relacionadas.

Su obra - instalación incluye fotografías de ranas en varias etapas de desarrollo y cerca de dos docenas de animales reales.

Para Brandon, uno de los aspectos más interesantes de la investigación genética es que se pueda tener la habilidad de restablecer especies animales y plantas que ahora hemos perdido por la extinción.

Es por esta razón que en los pasados años, el artista ha estudiado el declive de la población de los anfibios y sus deformidades, haciendo diversos estudios por Norteamérica y dándose cuenta que toda la población de anfibios del mundo está en extinción debido a la pérdida o destrucción del hábitat natural y la capa de ozono, entre otros factores.

La característica de Species Reclamation, es que combina la fascinación entre los anfibios y peces con técnicas fotográficas de arte comerciales y mezcla la ficción de anfibios de tiempos ancestrales con la tecnología actual con el objetivo de recrear una especia ahora extinta o modificada por diversos factores.

El objetivo radica en que a través de la cría selectiva y controlada de colonias genéticas el artista podrá volver a establecer un modelo de curtipes H puro de una manera de reproducción hacia atrás, recolectando rasgos de especímenes actuales y recreando el original.

Los formatos de la Instalación de Brandon Bellangée son multimediaticos y multidisciplinarios, ya que es un artista posmoderno que basa su arte en una idea, no en un significante, para lo cual hecha mano de distintas técnicas que documentan el proyecto, entre ellas las fotografías digitales e impresas que evidencian el desarrollo y variaciones de las generaciones de anfibios; Una computadora portátil en la que edita y almacena información, imágenes, videos y audios para crear el archivo de la obra viviente y documentar los progresos, así como medio para desarrollar publicaciones acerca del cuidado del ambiente. Vitrinas donde muestra fotografías, escritos y algunos anfibios que pueden ser vistos y estudiados en su apariencia por medio de lupas.

Brandon crea una liga entre el Arte Ecológico y el Arte Conceptual, ya que para entender la obra, hay que recurrir a cierto tipo de documentación científica que aclara el objetivo de la misma.

La muestra de la obra exhibe un ambiente de laboratorio, un tanto clínico un cuanto científico, en donde por medio de mesas de trabajo y fotografías montadas en una narración lineal de avance, se muestra el crecimiento y evolución de las ranas y sus generaciones.

La composición formada por la totalidad de las fotografías-documentos que muestran a los anfibios en evolución es un circulo que recrea un mundo, un mundo de subespecies, anfibios, que a la vez son microscópicos, pero en los formatos de las fotografías de la instalación se leen en distintos tamaños. Un universo que recuerda el filme de Microcosmos, en donde sucede todo a gran escala y al cual está anclado la supervivencia del mundo en general…

El mensaje que da la obra se puede leer de la siguiente manera: somos seres que habitamos en ambientes simbióticos, por tanto debemos protegernos unos a otros para continuar con los objetivosparticulares de cada especia.

El artista ha apostado su idea a la creación de una especie del pasado, un anfibio que ya no existe pero que es útil para el ecosistema en el que se desarrollaba. Su esfuerzo va más allá de la preservación de las especies y nos lleva a la idea de aquel Parque jurasico (1993) recuperado por Steven Spielberg millones de años después de su existencia. Su obra es propositiva, educativa y sobre todo inclusiva, ya que como parte de la misma se realizan trabajos de campo en los cuales adultos y niños pueden conocer más de su ecosistema y de la forma de preservarlo.

La obra de Bellangée deja clara la preocupación actual de la humanidad por el planeta que nos acoge, por un lado está la preservación de las especies que contribuye al balance general del mundo y esta manera de poner un foco rojo en estas especies que están en declive es además de puntual, pedagógica.

El proyecto es tan sólo la punta del iceberg que tiene que conocer la sociedad mundial para evitar problemas futuros, como lo son la falta de alimentos, la contaminación excesiva del mundo, la explotación sin límites de los recursos naturales, el calentamiento global… y tantas preocupaciones que son ajenas hasta que el problema global llega a tocar a la puerta de la casa.

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Microcosmos, 1996. Dirigida por Claude Nuridsany y Marie Pérennouhttp

www.greenmuseum.org/www.ysp.co.uk

http://www.ecologicalart.org/

http://www.ysp.co.uk/

Art con Brandon Ballengée
Entrevista realizada por John K. Grande
Publicado en "Diálogos en la diversidad" / 2007 por John K. Grande

Contact the artist: obsoletestudios@hotmail.com