Remedios Varo en el MAM

El primer acercamiento que tuve con la obra de Remedios Varo, fue por medio de unas reproducciones tamaño póster que tenía mi prima Laura la sicóloga, alrededor de todo su cuarto.

En ese entonces yo tenía 8 años y su cuarto lleno de estas obras me pareció terrorífico, un poco el reflejo de lo que ella inspiraba… un ser bello pero hermético que vivía su realidad en sueños…

Ahora, 20 años después, mira algunas de sus obras en el MAM y me sigue impresionando de distintas maneras, excepto de la terrorífica de antaño…

Varo puede intimidar al espectador de distintas maneras, por medio de seres solitarios y sus creaciones divinas; con ambientes suspendidos en un tiempo y espacio oníricos (a veces entre brumas); los gatos que detrás de cada agujero aparecen y los ojos que como en el gran vidrio de Duchamp, nos miran mirando la obra y reflejan nuestro vouyerismo de querer ver más allá de la obra, de la mente de Remedios.

Remedios Varo tuvo la capacidad de soñar despierta, sus obras son hechas con una calidad muy fina en cada pincelada y sus líneas precisas, su automatismo consciente es maravilloso, presentando sus imágenes oníricas con una nitidez realística… nos invita a entrar en su inconsciente pero no nos advierte que sus imágenes han penetrado en el nuestro.

Entre ellos los seres antropomórficos alquimistas dando vida y orden al universo con rayos de luz, viento o música, vagabundos cargando recuerdos, y espacios insólitos (como un closet del que está escapando un pedazo de cielo).

Creo que Laura, se miro al espejo y vio a Remedios Varo en ella, una mujer enigmática, con cara de gato, que se permitió hacer volar su mente y nos regalo algunas de sus imágenes en lienzos, una mujer que nos penetro el alma con sus personajes en trance.

A mi, Laura me dio el regalo de conocer a una de las grandes surrealistas, Remedios, que a su vez, me ha dado una gran dosis de catarsis surrealista en estas obras exhibidas en el MAM.

En la muestra se presentan obras de otras mujeres surrealistas contemporáneas de Varo, entre ellas Leonora Carrington, Horna, Izquierdo y Frida Kahlo, con obras que reflejan las premisas del surrealismo… pulsión, sexualidad, irracionalidad, libertad temática entre otras….

Kahlo.

“Quiero que la Gente se calle tan pronto deje de sentir”

André Breton,… del Manifiesto Surrealista. (1924)

Aclaración:

Si bien el surrealismo es parte de las corrientes de vanguardia de principios del siglo XX, AlotOfArt realiza este post en honor a la exposición encabezada por Remedios Varo en el MAM y en gran parte, porque este “ismo” es muy importante para el análisis de obras contemporáneas, que citan o se basan en los principios del surrealismo definido por Breton en 1924.

Francis Bacon, horror y muerte

Lo único seguro e idéntico que comparte el hombre, es su condición humana finita, que inevitablemente lo enfrentará con la muerte.

Esto es lo que el inglés Francis Bacon nos muestra en su pintura, fruto de su entorno cultural entre la primera y segunda Guerras Mundiales; pero sobre todo por sus antecedentes personales, ya que sufrió de asma durante toda su niñez y fue tratado con morfina, además del hecho de haber sido rechazado y corrido de su hogar a los 16 años por ser gay.

La pintura de Bacon es parte de la corriente denominada Neofigurativa, movimiento nacido entre 1950 – 1960 caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción y que se identifica por el tratamiento del tema de una manera informal pero expresionista.

La pintura neofigurativa suele tener un sentido de denuncia social con tendencias expresionistas en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas.

Bacon, es a la pintura, lo mismo que inspira su nombre: un tocino, carne que viene de la muerte… Bacon muestra al hombre como un trozo de carne echado para su venta. Salvador Dalí utilizaba el tocino de manera surreal-aleatorio, pero también para recalcar lo efímero y putrefacto de sus modelos.

Así, las obras de Francis muestran expresiones deformes influenciadas por el cubismo de Picasso, en contra de lo que los productos culturales actuales ofrecen; en sus pinturas no hay satisfacción, misericordia ni un “happily ever after” de Disney…. Bacon nos dice: somos un efímero ser en este mundo, que huimos del terror de la muerte y de nuestros miedos, disfrazándolo de marcas y productos que nos alejen de la vejez… de la putrefacción.

Bacon es hijo de la corriente artística del horror del siglo XVII, que viene desde Bruegel, Goya y el Bosco, donde expresan imágenes de cuerpos deformes, en carnavales u orgías en una estética muy peculiar.

En sus citas aparece el artista español Diego Velazquez, mago del pincel y de la representación. Velazquez presenta sus personajes de una manera magistral, fotográfica, pero paradójicamente con una técnica que hace aparecer la abstracción en cada pincelada… mira de cerca su obra y será un cúmulo de colores y texturas, de lejos, una reproducción cuasi fotográfica… de allí su enigma, allí lo que atrae a Bacon en ese retrato del papa, donde es muy nítido, pero sus facciones son tenebrosas, su entorno es oscuro.

El papa pintado por Bacon esta disolviéndose en el horror de un grito, una figura enmarcada en una silla de oro, un representante de una iglesia que siempre ha mostrado una doble moral.

Bacon no disimula nada, todo es carne, huesos, muerte, desgarres…. Obras grotescas que nos muestran la abyección que nos circunda pero que maquillamos con relatos y productos; para Eleonor Heartney (Arte Hoy, 2008) estas deformaciones cumplen un servicio importante, y que al mostrar reproducciones grotescas o abyectas del yo y el mundo, subvierten las representaciones idealizadas y nos aproximan más al ser humano.

Conocerlo da pánico, pero no reconocernos un poco en sus obras, es tener los ojos cerrados a la vida, a lo real.

Al final su forma de ver la vida es un consejo que Bacon nos da, toma al toro por los cuernos… porque hay un destino indudable, ineludible y único para cada ser… la muerte.

Frank Stella, abstracción corrosiva…

La posmodernidad minó todo resquicio de creencia en la pureza o la especial relación entre arte abstracto, espiritualidad y el ser universal.

Eleanor Heartney.

Arte abstracto que rebasa los limites del cuadro, colores y formas que parten de un lienzo y lo corroen, casi haciéndolo explotar, finalmente expandiéndolo y dándonos una imagen tridimensional, no sólo en ilusión óptica de profundidad, sino en formas físicas reales cargadas de color… esto es Frank Stella.

Su arte es una vertiente del expresionismo abstracto, arte nacido en Estados unidos, después de la Segunda Guerra Mundial y que como representantes tenía a Jackson Pollock con su pintura gestual de golpe de pintura de gran formato o Barnett Newman con sus pinturas de gran formato y monocromáticas que exaltaban la planeidad del plano pictórico.

Expresionismo Abstracto.

Hay que conocer las características más notables del expresionismo abstracto, seguido de la abstracción post-pictórica… para con esto, reconocer un poco de los aspectos y expresiones de Stella.

Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian.

Estos cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presentan como rasgos distintivos la indiferencia expresiva, en sus expresiones monocromas y por el contexto en que nacen, el fin de la segunda guerra mundial. En este sentido Jean Baudrillard comenta en la Trasparencia del mal sobre la bomba nuclear: “ya no cesará de obsesionar a la Tierra con su trayectoria, pero tampoco está hecha para tocar suelo. Ya no es una bomba acabada, ni que encontrará su fin (por lo menos así se espera); está ahí, en órbita, y basta para el terror, o por lo menos para la disuasión. Ni siquiera hace pensar en el terror, la destrucción es inimaginable, simplemente está ahí, en órbita, en suspenso, y en recurrencia indefinida…. Terror infundado por la segunda guerra mundial, que ha hecho indiferente a la misma estética.

Para el critico de arte Greenber, este carácter plano del expresionismo abstracto, separaba la obra de los antiguos maestros, que buscaban perspectiva y fondo por medio de técnicas ilusionistas. En este sentido, el arte expresionista abstracto busca su propio ser, en donde lo matérico toma un primer plano y avanza en sus obras partiendo del conocimiento previo, pero de una forma trasgresora. Es en este tenor en el cual Fontana ha reinventado la profundidad verdadera del lienzo, partiendo la tela con una navaja y permitiendo ver la profundidad no como una ilusión, sino como una realidad.

Abstracción Post-pictórica.

La abstracción post-pictórica se ramificó en dos grupos, los pintores Hard-Edged como Ellsworth Kelly y Frank Stella que se basan en la exploración de las relaciones entre formas y bordes, y los pintores Color-field como Helen Frankenthaler y Morris Louis, quienes vertieron pintura diluida en el lienzo sin imprimación para explorar los aspectos del color puro y fluido.

Obra de Stella.

Frank Stella comenzó en la decada de los 50´s realizando cuadros al estilo del formalismo plano, con cuadrados y rectángulos monocromáticos denominados Black paintings.

En la decada de los 60´s realizo pinturas monocromas planas de colores brillantes y un riguroso trabajo geometrico y para 1970 se convirtió en el artista más joven en recibir una retrospectiva en el Metropolitan Museum of Art en Nueva York.

En los 80´s dio un giro a su expresión abandonando los cuadros planos y comenzó a realizar pinturas-esculturas con relieves metálicos tridimensionales de colores vibrantes en forma de columnas, ondas y conos…

“En una conferencia dada en Hardvard postulo que para que la abstracción igualará el impacto del gran arte del pasado debería retomar conceptos como el volumen, el espacio interior y la caricatura (por la que el entendía la representación tradicional), que se habían perdido en la austeridad del formalismo”

Esta es la base de su nuevo arte, el creativo y monumental, en el cual representa y presenta un arte abstracto real, lo materico tal cual sin ilusión.

En la decada de los 90´s comenzo a realizar proyectos que asemejan el estilo de sus obras escultura en espacios arquitectónicos, proponiendo construcciones amorfas al estiro de Frank Gehry, sin embargo nada de esto ha sido construido aún.

Stella presenta en sus obras esculturas que moldean el espacio de una manera mágica, con colores y formas en las que el espectador puede introducirse, de manera que el espacio visual del ojo humano puede ser llenado en su totalidad por la obra rica en materiales, colores y formas.

La posmodernidad minó todo resquicio de creencia en la pureza o la especial relación entre arte abstracto, espiritualidad y el ser universal. Eleanor Heartney, vuelvo a retomar esta cita en la que se reconoce el valor de las obras abstractas post-pictóricas, que se pueden leer de una manera materica, rica en elementos visuales y formales, que configuran el espacio con sus caprichosas formas, y no buscan la espiritualidad y trascendencia de las pinturas de Kandinsky, Malevich o Mondrian.

Jeff Koons, pop cínico.

Uno de los exponentes más importantes del arte contemporáneo es Koons y no sólo por tomar imágenes del inconsciente colectivo actual y explotarlas en su arte cínico pop surrealista, sino también por retomar el modelo de la Factory de Warhol y la producción de obras con su sello corporativo (Jeff Koons) muy al estilo de Murakami y Demian Hirts y hacer de su propia vida un acto creativo de pop y dinero ¿Por qué no, continuar acentuando la institucionalización y mercantilización del arte en la era del consumo exacerbado?

Este modelo de publicitar su nombre y su obra (fruto de la experiencia de trabajo adquirida en la casa de bolsa), ha llevado a Koons a los principales museos del mundo. Koons ha retomado parte del furor de los formatos televisivos actuales en boga, haciendo un reality show de su vida personal, al casarse con una mujer polémica metida en la política italiana (después de ser una porn-star) y hacer fotografía con tintes publicitarios pornograficos en la intimidad con esta princesa: Cicciolina. (Made in heaven, 1989)

El arte de Koons, ha sido muy prolifero, va del arte pop brillante en diversos formatos (exhibiendo imágenes pop como la Pantera rosa, Popeye o Michael Jackson), a lo surreal, donde la pulsión y las secreciones sexuales se dejan ver en estas obras hechas a partir de anuncios publicitarios. (easyfun-ethereal, 2001).

En su serie Inflates (1979), Koons muestra flores, conejos y representaciones naïves, muy coloridos, en viniles inflables, muy en la corriente de escaparates kitchs, arte para llevar a la playa, pero al mismo tiempo arte efímero (inflable) y de mal gusto.

Por otro lado, citando a otro de los artistas que han dado muerte al arte: Duchamp, Koons ha hecho una serie de obras denominadas Pre-new y The New (1979-1980) en donde a manera de ready-mades, ha seleccionado objetos cotidianos (como tostadoras, aspiradoras, calentadores o cafeteras) y los ha puesto en vitrinas o montadas en luces neones, lo que lo hace menos original que sus maestros, ya que no denota la primicia de elección de objetos cotidianos e indiferencia estética y funcional con la que Duchamp daba el estatuto de ready made a un objeto.

En este mismo tenor duchampiano, en su serie luxury and degradation (1986), ha retomado la premisa conceptual del lenguaje, para jugar con anuncios publicitarios y frases que incitan a la muerte y lujuria en carteles de distinta índole.

La etapa más original y creativa de Koons, sin duda ha sido con sus esculturas hechas con metal reflejante que simulan ser hechas por globos elásticos de payasos y que van de animales tulipanes, corazones. Esculturas que por su enormidad y brillantes, han llamado tanto la atención que han sido colocadas permanentemente en distintos atrios públicos (por ejemplo en el Rockefeller NY y Guggenheim Bilbao).

Es el caso también del multicitado Puppy, hecho de metal, madera, tela y un sistema de riego interno, que con las medidas 1234.4 x 1234.4 x 650.2 cm, ha exacerbado el tamaño de un perro educado que espera en el patio del jardín, el ideal humano de dominio sobre su mascota y ha hecho que esta figura autosustentable sea quién cuide de su amo, además de continuar con la tradición Duchampiana de eliminar barreras entre arte y cotidianidad. La mascota no sólo esta en el hogar, sino es quien nos recibe en el museo, aunque no baje la mirada para saludarnos.

Koons, no ha sido del todo un artista innovador, sino controversial y basado en la publicidad de su obra, que es llamativa en forma, pero en fondo debe mucho o toda su fama a los preceptos del arte de Warhol y Marcel Duchamp que ha aplicado y no de manera crítica, sino muy cómoda a la creación de su obra y de su propia vida.