El artista de la mierda de oro: Piero Manzoni

Las 90 latas de mierda de artista (1961), puesta en latas de conserva de 30 gramos cada una de ellas y vendidas a precio de oro, son parte de la obra más controversial del italiano Piero Manzoni (1933-1963), con la cual no sólo busco escandalizar a la sociedad de los años 50´s sino también irrumpir y trasgredir la institucionalidad museística y los parámetros de la estética, el valor, la pureza y la belleza de la obra de arte, tema en el que algunos artistas ya habían hecho un camino oscuro.

Artistas del siglo XVII como el Bosco y Bruegel habrían presentado imágenes grotescas de carnavales orgiásticos, donde lo escatológico es parte de sus representaciones artísticas obscenas y depravadas. Por su parte Salvador Dalí muestra un ser embarrado de mierda en un primer plano en su obra El juego lúgubre (1929), obra que juega con el yo, el súper yo y el ello, basada en la teoría de Freud.

Artistas contemporáneos como Mike Kelley y Paul Mccarthy en colaboración, recrean una historia lúgubre sobre Heidi, la niña de las praderas y su abuelo, en un ambiente oscuro pop, donde los dos personajes realizan escenas de Lolita en potencia y pedofilia. (Heidi: Midle life trauma center, 1992)

Kiki Smith ha mostrado en su trabajo la corporeidad por medio de esculturas casi hiperrealistas de desnudo y de órganos internos saliendo de orificios corporales, mezclando belleza humana con asco. En su obra Tail (1992), una mujer va arrastrándose en cuatro patas, dejando un hilo de mierda detrás suyo, la vulnerabilidad en su máxima expresión.

Artista de Mierda de Manzoni, no sólo expresa trasgresión, también introduce el tema escatológico y de abyección en el cual lo corpóreo, efímero y mortal del artista se vuelve parte del halo que envuelve su calidad de ser único …. A decir verdad la mierda es un residuo corporal humano, otra creación si bien no artística y estética, sí involuntaria y ordinaria… con la excepción de que no cualquier ser humano puede vender su mierda a precio de oro.

Líneas es otra de las obras de Piero, en la cual se muestra un recipiente con una etiqueta que asegura contener dentro un papel con una línea tan larga como una longitud infinita…. La línea es un concepto de la mente.

Por otro lado, realizo dos bases mágicas: la primera designa que quién se ponga encima de ella será declarado un “artista” (durante el tiempo que dure arriba); la segunda es una base puesta al revés, y según sus palabras “sostiene al mundo entero” y por tanto, lo sube al pedestal que designa una obra de arte… ahora todo ser y todo material es una obra de arte de Manzoni.

En este mismo tenor, ha creado obras comestibles con huevos, firmándolos con su huella digital y ofreciéndolos como desayuno a los espectadores que asisten a la expo.

Si bien Líneas y Mierda de Artista de Manzoni tiende a ser conceptuales debido a la idea de lo que se supone e indican las etiquetas de las latas que las contienen, no dejan de tener reminiscencias surreales, en donde el inconsciente no distingue de distancias ni tiempos, ni mucho menos de cuestiones morales escatológicas que son eliminadas en el momento de la pulsión e instintos animales del ser humano…

Así, el valor de la obra de Manzoni, reside en la contradicción que nos enfrentamos con el mercado capitalista contemporáneo… será muy criticado por haber vendido mierda a precio de oro… pero si volteamos a nuestro alrededor, gran parte de lo que consideramos valioso tiene que ver con marcas que consumimos a precios estratosféricos... y no vallamos tan lejos… ya Madonna ha pedido que se destruyan los retretes de los hoteles en los que se hospeda para evitar que ociosos vendan el mueble en el que alguna vez defeco.

Manzoni es heredero de la cotidianidad y del ready made de Duchamp, la inmaterialidad de la obra de arte de Warhol y un vanguardista también en la manera en que se expone la obra (producto de la influencia de su contemporáneo Klein), en donde la obra misma puede ser el espectador apenas firmado por el artista.

Zona Maco… Feria de Arte Contemporáneo

La feria Zona Maco inaugurada el día de hoy en el Centro Banamex, ha sido una gran sorpresa para los amantes y coleccionistas de la creatividad en sus distintos formatos.

Las propuestas de los 900 artistas de más de 90 galerías de todo el mundo reunidas en esta feria son impresionantes y eclécticas, lo que le da la riqueza a la Feria y a las distintas obras y formatos presentados.

Cabe mencionar que en muchas de las obras expuestas, se han dejado ver las influencias del arte conceptual de Marcel Duchamp, el pop art de Andy Warhol, el pop cínico de Jeff Koons, algunas obras de op-art y arte abstracto que nos recuerda a Pierre Soulage y Frank Stella, e incluso hay obras realizadas en el estudio y bajo su supervisión del propio Murakami, por sólo mencionar algunas referencias de la exhibición.

Existe un Pabellón de diseño muy interesante en donde se pueden adquirir piezas decorativas con motivos referentes al arte de la Expo y varias revistas del mundo del arte.

Algunos de los artistas que exponen lo hacen de manera formal-cómica, por ejemplo en la obra de Fotografías frontales de las señoras representativas de la clase alta de la ciudad de México, entre ellas Silvia Pinal, Guadalupe Loaeza, Lolita Ayala… nos dejan ver su entorno, clase social y aspiraciones en fotos de bustos, por medio de maquillajes, peinados de salón, cirugías estéticas, joyas y ropajes que denotan el símbolo de poder que en nuestra sociedad representan. Otra aspecto interesante de esta obra es que los espectadores se reflejan y por medio de murmuraciones y risas, reconocen rasgos y/o personalidades cercanas a ellos mismos.

Una de las obras que me parecieron más interesantes es la denominada “you talk about it, but i just can´t see it” de José Dávila. En ésta, el autor nos muestra fotografías carentes de un espacio recortado, que corresponde a monumentos celebres de arte contemporáneo alrededor del mundo. Creo que esta obra se burla de nosotros al mostrarnos algo que no existe, un contorno que nos indica que algo estuvo allí, pero que no vemos, la misma relación que nos preguntamos al encontrarnos frente a una obra: ¿Esto es arte? Tu me lo explicas, yo no lo veo….

Por otro lado, aparecen artistas en el tenor de reclamo social, como lo hace Teresa Margolles con su obra de cortina de tienda. Ésta obra estética y plásticamente remite a Tapiés a primera vista, pero adentrándose en ella, uno puede reparar que tiene hoyos realizados por balas, índice de la matanza de unos jóvenes en Culiacán Sinaloa frente a esta cortina de metal. Así la obra no sólo se lee como un material trasgresor, sino como un grito social ante la violencia que vive México.

Por otro lado y como performance, podemos ver a una mujer danzando en una obra que es temporal y se transforma a cada paso y que por no ser video grabada, sólo pertenece al tiempo y espacio actual de exhibición, donde el espectador conserva la obra mentalmente… su intangibilidad es su propia materia prima. Del mismo modo en Maco encontrarán un Cristo que deambula descalzo entre los mortales, como parte de un performance que incluye un clasificado en un periódico, en donde puedes solicitar que Jesús te bendiga.

Más allá de ser una feria mercantil de arte contemporáneo, Zona Maco es una exhibición de obras inteligentes en su concepto, forma, contenido, material y expresiones, que puede ser leída en un entorno social amigable y divertida.

Al final no estamos entrando a un museo con el ritual que esto conlleva y podemos dar cuenta de las tendencias del arte actual y las problemáticas que nos muestra para enseñarnos un poco más de nosotros mismos como seres sociales.

Para detalles de la expo visita: http://zonamaco.com/

Remedios Varo en el MAM

El primer acercamiento que tuve con la obra de Remedios Varo, fue por medio de unas reproducciones tamaño póster que tenía mi prima Laura la sicóloga, alrededor de todo su cuarto.

En ese entonces yo tenía 8 años y su cuarto lleno de estas obras me pareció terrorífico, un poco el reflejo de lo que ella inspiraba… un ser bello pero hermético que vivía su realidad en sueños…

Ahora, 20 años después, mira algunas de sus obras en el MAM y me sigue impresionando de distintas maneras, excepto de la terrorífica de antaño…

Varo puede intimidar al espectador de distintas maneras, por medio de seres solitarios y sus creaciones divinas; con ambientes suspendidos en un tiempo y espacio oníricos (a veces entre brumas); los gatos que detrás de cada agujero aparecen y los ojos que como en el gran vidrio de Duchamp, nos miran mirando la obra y reflejan nuestro vouyerismo de querer ver más allá de la obra, de la mente de Remedios.

Remedios Varo tuvo la capacidad de soñar despierta, sus obras son hechas con una calidad muy fina en cada pincelada y sus líneas precisas, su automatismo consciente es maravilloso, presentando sus imágenes oníricas con una nitidez realística… nos invita a entrar en su inconsciente pero no nos advierte que sus imágenes han penetrado en el nuestro.

Entre ellos los seres antropomórficos alquimistas dando vida y orden al universo con rayos de luz, viento o música, vagabundos cargando recuerdos, y espacios insólitos (como un closet del que está escapando un pedazo de cielo).

Creo que Laura, se miro al espejo y vio a Remedios Varo en ella, una mujer enigmática, con cara de gato, que se permitió hacer volar su mente y nos regalo algunas de sus imágenes en lienzos, una mujer que nos penetro el alma con sus personajes en trance.

A mi, Laura me dio el regalo de conocer a una de las grandes surrealistas, Remedios, que a su vez, me ha dado una gran dosis de catarsis surrealista en estas obras exhibidas en el MAM.

En la muestra se presentan obras de otras mujeres surrealistas contemporáneas de Varo, entre ellas Leonora Carrington, Horna, Izquierdo y Frida Kahlo, con obras que reflejan las premisas del surrealismo… pulsión, sexualidad, irracionalidad, libertad temática entre otras….

Kahlo.

“Quiero que la Gente se calle tan pronto deje de sentir”

André Breton,… del Manifiesto Surrealista. (1924)

Aclaración:

Si bien el surrealismo es parte de las corrientes de vanguardia de principios del siglo XX, AlotOfArt realiza este post en honor a la exposición encabezada por Remedios Varo en el MAM y en gran parte, porque este “ismo” es muy importante para el análisis de obras contemporáneas, que citan o se basan en los principios del surrealismo definido por Breton en 1924.

Francis Bacon, horror y muerte

Lo único seguro e idéntico que comparte el hombre, es su condición humana finita, que inevitablemente lo enfrentará con la muerte.

Esto es lo que el inglés Francis Bacon nos muestra en su pintura, fruto de su entorno cultural entre la primera y segunda Guerras Mundiales; pero sobre todo por sus antecedentes personales, ya que sufrió de asma durante toda su niñez y fue tratado con morfina, además del hecho de haber sido rechazado y corrido de su hogar a los 16 años por ser gay.

La pintura de Bacon es parte de la corriente denominada Neofigurativa, movimiento nacido entre 1950 – 1960 caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción y que se identifica por el tratamiento del tema de una manera informal pero expresionista.

La pintura neofigurativa suele tener un sentido de denuncia social con tendencias expresionistas en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas.

Bacon, es a la pintura, lo mismo que inspira su nombre: un tocino, carne que viene de la muerte… Bacon muestra al hombre como un trozo de carne echado para su venta. Salvador Dalí utilizaba el tocino de manera surreal-aleatorio, pero también para recalcar lo efímero y putrefacto de sus modelos.

Así, las obras de Francis muestran expresiones deformes influenciadas por el cubismo de Picasso, en contra de lo que los productos culturales actuales ofrecen; en sus pinturas no hay satisfacción, misericordia ni un “happily ever after” de Disney…. Bacon nos dice: somos un efímero ser en este mundo, que huimos del terror de la muerte y de nuestros miedos, disfrazándolo de marcas y productos que nos alejen de la vejez… de la putrefacción.

Bacon es hijo de la corriente artística del horror del siglo XVII, que viene desde Bruegel, Goya y el Bosco, donde expresan imágenes de cuerpos deformes, en carnavales u orgías en una estética muy peculiar.

En sus citas aparece el artista español Diego Velazquez, mago del pincel y de la representación. Velazquez presenta sus personajes de una manera magistral, fotográfica, pero paradójicamente con una técnica que hace aparecer la abstracción en cada pincelada… mira de cerca su obra y será un cúmulo de colores y texturas, de lejos, una reproducción cuasi fotográfica… de allí su enigma, allí lo que atrae a Bacon en ese retrato del papa, donde es muy nítido, pero sus facciones son tenebrosas, su entorno es oscuro.

El papa pintado por Bacon esta disolviéndose en el horror de un grito, una figura enmarcada en una silla de oro, un representante de una iglesia que siempre ha mostrado una doble moral.

Bacon no disimula nada, todo es carne, huesos, muerte, desgarres…. Obras grotescas que nos muestran la abyección que nos circunda pero que maquillamos con relatos y productos; para Eleonor Heartney (Arte Hoy, 2008) estas deformaciones cumplen un servicio importante, y que al mostrar reproducciones grotescas o abyectas del yo y el mundo, subvierten las representaciones idealizadas y nos aproximan más al ser humano.

Conocerlo da pánico, pero no reconocernos un poco en sus obras, es tener los ojos cerrados a la vida, a lo real.

Al final su forma de ver la vida es un consejo que Bacon nos da, toma al toro por los cuernos… porque hay un destino indudable, ineludible y único para cada ser… la muerte.

Frank Stella, abstracción corrosiva…

La posmodernidad minó todo resquicio de creencia en la pureza o la especial relación entre arte abstracto, espiritualidad y el ser universal.

Eleanor Heartney.

Arte abstracto que rebasa los limites del cuadro, colores y formas que parten de un lienzo y lo corroen, casi haciéndolo explotar, finalmente expandiéndolo y dándonos una imagen tridimensional, no sólo en ilusión óptica de profundidad, sino en formas físicas reales cargadas de color… esto es Frank Stella.

Su arte es una vertiente del expresionismo abstracto, arte nacido en Estados unidos, después de la Segunda Guerra Mundial y que como representantes tenía a Jackson Pollock con su pintura gestual de golpe de pintura de gran formato o Barnett Newman con sus pinturas de gran formato y monocromáticas que exaltaban la planeidad del plano pictórico.

Expresionismo Abstracto.

Hay que conocer las características más notables del expresionismo abstracto, seguido de la abstracción post-pictórica… para con esto, reconocer un poco de los aspectos y expresiones de Stella.

Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian.

Estos cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presentan como rasgos distintivos la indiferencia expresiva, en sus expresiones monocromas y por el contexto en que nacen, el fin de la segunda guerra mundial. En este sentido Jean Baudrillard comenta en la Trasparencia del mal sobre la bomba nuclear: “ya no cesará de obsesionar a la Tierra con su trayectoria, pero tampoco está hecha para tocar suelo. Ya no es una bomba acabada, ni que encontrará su fin (por lo menos así se espera); está ahí, en órbita, y basta para el terror, o por lo menos para la disuasión. Ni siquiera hace pensar en el terror, la destrucción es inimaginable, simplemente está ahí, en órbita, en suspenso, y en recurrencia indefinida…. Terror infundado por la segunda guerra mundial, que ha hecho indiferente a la misma estética.

Para el critico de arte Greenber, este carácter plano del expresionismo abstracto, separaba la obra de los antiguos maestros, que buscaban perspectiva y fondo por medio de técnicas ilusionistas. En este sentido, el arte expresionista abstracto busca su propio ser, en donde lo matérico toma un primer plano y avanza en sus obras partiendo del conocimiento previo, pero de una forma trasgresora. Es en este tenor en el cual Fontana ha reinventado la profundidad verdadera del lienzo, partiendo la tela con una navaja y permitiendo ver la profundidad no como una ilusión, sino como una realidad.

Abstracción Post-pictórica.

La abstracción post-pictórica se ramificó en dos grupos, los pintores Hard-Edged como Ellsworth Kelly y Frank Stella que se basan en la exploración de las relaciones entre formas y bordes, y los pintores Color-field como Helen Frankenthaler y Morris Louis, quienes vertieron pintura diluida en el lienzo sin imprimación para explorar los aspectos del color puro y fluido.

Obra de Stella.

Frank Stella comenzó en la decada de los 50´s realizando cuadros al estilo del formalismo plano, con cuadrados y rectángulos monocromáticos denominados Black paintings.

En la decada de los 60´s realizo pinturas monocromas planas de colores brillantes y un riguroso trabajo geometrico y para 1970 se convirtió en el artista más joven en recibir una retrospectiva en el Metropolitan Museum of Art en Nueva York.

En los 80´s dio un giro a su expresión abandonando los cuadros planos y comenzó a realizar pinturas-esculturas con relieves metálicos tridimensionales de colores vibrantes en forma de columnas, ondas y conos…

“En una conferencia dada en Hardvard postulo que para que la abstracción igualará el impacto del gran arte del pasado debería retomar conceptos como el volumen, el espacio interior y la caricatura (por la que el entendía la representación tradicional), que se habían perdido en la austeridad del formalismo”

Esta es la base de su nuevo arte, el creativo y monumental, en el cual representa y presenta un arte abstracto real, lo materico tal cual sin ilusión.

En la decada de los 90´s comenzo a realizar proyectos que asemejan el estilo de sus obras escultura en espacios arquitectónicos, proponiendo construcciones amorfas al estiro de Frank Gehry, sin embargo nada de esto ha sido construido aún.

Stella presenta en sus obras esculturas que moldean el espacio de una manera mágica, con colores y formas en las que el espectador puede introducirse, de manera que el espacio visual del ojo humano puede ser llenado en su totalidad por la obra rica en materiales, colores y formas.

La posmodernidad minó todo resquicio de creencia en la pureza o la especial relación entre arte abstracto, espiritualidad y el ser universal. Eleanor Heartney, vuelvo a retomar esta cita en la que se reconoce el valor de las obras abstractas post-pictóricas, que se pueden leer de una manera materica, rica en elementos visuales y formales, que configuran el espacio con sus caprichosas formas, y no buscan la espiritualidad y trascendencia de las pinturas de Kandinsky, Malevich o Mondrian.