El negro luminoso de Pierre Soulage

“Amo la autoridad del negro, su severidad, su evidencia, su radicalidad. Su poderosa fuerza de contraste le aporta a todos los colores una presencia intensa y, al iluminar los más oscuros, les confiere una grandeza sombría. El negro tiene posibilidades insospechadas y yo, atento a lo que ignoro, voy a su encuentro.”


Pierre Soulage.



                         

Todavía recuerdo esa exposición del MAM sobre expresionismo abstracto, en donde en la sala inicial del recorrido te recibía de frente un cuadro negro luminoso maravilloso, dividido en dos partes por la mitad. Por un lado, un liso negro que sólo dejaba ver su no color por el reflejo de la luz de la galería y del otro lado era corrugado y con textura, pero con el mismo tono oscuro que el lado liso.

La sensación de tacto que da a la vista ese contraste, fue sólo equiparable a querer acariciar esa primera parte lisa con una mirada suave y armoniosa y en un arranque de dinamismo, querer desgarrar la parte rugosa, tocarla y rascarse la piel, con ese negro que seduce con el juego de luz y sombra.

Soulage explica algo del interior del hombre en su pintura, en ella no se encuentra nada, sus absolutos significados están dados por el negro que devora el entorno con pinturas de gran formato, y los blancos que tácticamente aparecen en cada una de sus obras, ya sea como parte de la tela, ya sea como resultado de las sombras que crean sus texturas.

En esa abstracción vemos resumida la nada y el todo.


Es una abstracción discreta y elegante,valga la frase desgastada, no es necesario recurrir al bote de pintura insertado en el lienzo para significar la abstracción por si misma, como alguna vez hizo Antoni Tàpies, sino dejar que el color-no color y la textura te cuenten algo de la obra, algo del movimiento abstracto expresionista o tachismo europeo... pero al final algo de nuestro inconsciente.

Ese negro intenso, que alguna vez Ad Reinhardt busco en distintos tonos de azul oscuro, nos llevan a la totalidad, a la plenitud... silencio extremo, silencio ensordecedor eterno que sólo encontraremos a nuestra muerte.

Su obra es mayoritariamente monocromática, contrastante, blanco y negro, negativo contra positivo y viceversa e invita a pensar en la gestualidad del acto pictórico, en ella imaginamos los movimientos definitivos que llevan a crear las composiciones fuertes. Vemos el trazo y su intensidad, conocemos la trayectoria del movimiento corporal del artista.


Acto lógico corporal, que resulta en la creación de una obra abstracta e inconsciente.

El protagonista es el negro, pero a la vez las sombras y brillos que este color y las texturas y rugosidades dan en cada punto de vista y perspectiva de lectura del espectador... uno no mira a la nada, al final la sicología del color indica que el negro nos remite al misterio, al silencio, al infinito y a una fuerza pacifica etérea.

La obra de Pierre muestra y esconde, seduce con su misterio y rebasa su función abstracta, ofreciendo fuertes composiciones y sentido plástico de la obra, pero también invitando a pensar en aquello que no se ve, pero que, con detenimiento, nos cuenta una historia sin palabras, desgarradora y serena. 

“Un día, pintando, el negro había invadido toda la superficie de la tela. En este extremo vi, en cierto modo, la negación del negro. Las diferentes texturas reflejaban tenuemente la luz y de la oscuridad emanaba una claridad, una luz pictórica de cuyo particular poder emocional se originaba mi deseo de pintar. Me gusta que este color violento incite a la interiorización. Mi instrumento ya no es el negro sino esta luz secreta surgida del negro. Aún más intensa en sus efectos al ser emanada de la más grande ausencia de luz. Decidí seguir este camino. Donde siempre descubro nuevos horizontes.”

Louise Bourgeois

 "Todos los días uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor." 

Bourgeois.

Gracias a los filmes de Almodovar, he conocido mujeres artistas tan hermosas como Pina Bausch y Louise Bourgeois. La primera en ese maravilloso y estremecedor performance citado al inicio de "Hable con ella", donde una mujer hipnotizada corre en medio de un aula, se tira, realiza movimientos paroxisticos, encuentra el amor, lo deja ir... nos mueve el alma; la segunda, en "La piel que habito", un homenaje a la obra de Bourgeois, a la creacion de la identidad no solo sexual, sino social, en un personaje hombre/mujer que sufre una metamorfosis involuntaria. No se podría explicar la profundidad visual y temática de los personajes de Pedro Almodovar, sin ahondar en las citas que hace a estas mujeres que sufren, pero al mismo tiempo aman su arte. 

Impresionante conocer el arte ecléctico de Luoise Bourgeois, una mujer que vivió durante todo el siglo XX e inicios del siglo XXI. Un arte que es vigente por ser tan humano, por hablar de ese sentir arquetipico que nos hace iguales: el dolor, el miedo, la identidad, la inseguridad de no conocer un significado de la vida... y en esa busqueda, soportar violaciones de todo tipo.

Todo esto, expresado en soportes, formatos y materiales tan desiguales, como lo es la madera, el marmol y la tela.

La artista que murio hace dos años, nos deja imágenes y esculturas creadas con un objetivo "sanador" y autobiográfico.

El dolor de ser o existir es evidente, el dolor de pertenecer a un orden social. Los estereotipos, presiones y obligaciones que se le dan a cada individuo, crean capas y mascaras que no permiten salir el verdadero ser; en el afán de querer encajar, nos vuelven sombras, muñecos de trapo apenas moldeados por costuras gruesas pero no solidas, fruto de tantas heridas en pos del amor familiar.

Así, en esta alienación, "el desarrollo de las ciudades comporta la pérdida de la identidad individual y determina una nueva manera de organizar el caos: el concepto de masa," menciona la artista.

A veces el material es lo mas importante para significar, sobre todo en artistas expresionistas abstractos, sin embargo en Louise, el medio no es el masaje, el mensaje utiliza cualquier material para regalarle al lector una lectura catártica. 

Entre las obras que más me han llamado la atención, se encuentra la mujer edificio; mezcla de lo orgánico con la arquitectura, lo femenino sentimental con lo utilitario... el edificio como templo de la ama de casa; si bien el aspecto surreal se ve expresado en algunas obras, creo que se acerca mas a la expresion de Frida Kahlo, donde el dolor vivencial latente, es confundido con lo onírico. 

Por otro lado las muñecas de trapo hechas a partir de recorte de ropa propia, son un reflejo de la soledad que vivió la artista en un ambiente de secuestro, como bien lo evidencia Vera en "La piel que habito". 

Para la artista el pasado ha sido su detonador creativo para refugiarse en el arte, por un lado le ha dado el oficio al ser hija de fabricantes de tapices, y por otro, al morir su madre sufrió un shock al enterarse que su padre ya andaba con su niñera.

 La vida la ha orillado a crear... dolor para crear... crear para sanar.

Cabe mencionar que el sicoanálisis marco la obra de Bourgeois, en la cual es evidente el afan de crear esculturas fálicas, combinadas con formas vaginales, como lo ejemplifica su gran pene suspendido del cual emerge una vulva por su parte superior. O la fotografía realizada por Robert Mapplethorpe para su exposicion en el Moma, en donde aparece cargando un pene de metal de proporciones extraordinarias, muestra de valentia e ironía. 

Louise no echa en  falta el falo que penetra, con sus imágenes penetra el pensamiento y nos regresa una mirada al interior. 

  

La artista conoció a Marcel Duchamp, quiza sea la razon por la que el vouyerismo es preciso para disfrutar su obra. Hay que ver de fuera la cara de sus personajes enmascarados, como el armario de Marcel Duchamp. Hay que conocer los vestidos/piel de la mujer disfrazada; cita formal de la novia desnudada por sus solteros. 

En su obra mas conocida llamada Mamá y representada por una araña gigante, demuestra la tension formal y simbólica entre un ser protector pero amenzante. Los museos mas importantes del mundo la han expuesto para proteger sus plazas, a la vez que sus patas estilizadas son hermosas a la vista. 

Si bien la obra de Louis Bourgeuos es tétrica y no deja reposo a la vista, su funcion es catártica, así, uno se enfrenta a sus propios demonios y es capaz de sobrepasar temores que no lo dejan ser libre... acabar con complejos y culpas es el objetivo personal de la artista…

A sus 98 años, se le veía ligera y sonriendo. ¿Podremos acabar con nuestros miedos reconociendolos? ¿su obra será la puerta para reconocer nuestros temores y superarlos? pienso que en ese caso muchas de sus imágenes no serian tan caóticas como las nuestras.

Manson, expresionismo mediático.

Marilyn Manson en San Ildefonso, que morbo. El artista que ha creado su nombre a partir de una diva hollywoodense, un asesino en serie ahora preso y se ha proclamado el anticristo rompiendo biblias durante sus conciertos, ahora expone acuarelas.

Marilyn Manson muestra 30 retratos en acuarela que no sorprenden, por tratarse del mismo estilo propio tétrico y lúgubre de su música y videografía.

En ellos exhibe su universo infernal, con personajes oscuros de miradas perdidas y algunos que incitan de manera erótica su corporalidad cuasi esquelética (algunos autoretratos). En ellos la vulnerabilidad humana se muestra desde pinceladas gruesas de los contornos, pero con colores al interior que crean facciones que se difuminan y deshacen, ningún personaje es limpio, el blanco no logra ser blanco, el pincel es turbio y los colores fuertes como el rojo crean ilusiones ópticas de llamas…. Los seres arden en sus propios deseos o se pierden en la soledad de sus entornos.

En su pintura bidimensional se puede ver a un ser humano triste, desolado, un hombre  vacío de sensaciones, quiza un poco como el ser humano que critica Nietzsche, que sólo es hedonismo satisfactorio. Un ser lleno de sicotrópicos y ensimismado en su placer mortífero.

Los colores utilizados por Marilyn son muy vivos, rojos y azules intensos que desvían la mirada y lectura de los temas tristes que representan.

La muerte es una constante en la obra de Manson, sus seres se encuentran a su espera, la desean a otros, o la gozan en estado de éxtasis. La desnudez acentúa la fragilidad de la representación y los títulos rematan la violencia de las obras: Cada mañana ella debería rezar para que los demonios devoren a sus padres. Su mundo es de esclavitud, prostitución, violencia y decadencia.

El alma de sus obras reside en las miradas, ya sea una mirada perdida en una botella de alcohol, una mirada sin punto fijo, o un cuadro azul en el que la mirada difuminada de la modelo vuelve etéreo de una manera muy bella, su propio momento. La acuarela de Marilyn es el instrumento que da la fuerza a estas miradas.

La pintura de Manson parece hecha por un paciente psiquiátrico a su doctor, quizá la mejor interpretación que se pueda dar a su obra venga del sicoanálisis freudiano, y creo que es la razón por la que el mismo se ha autoproclamado seguidor de la pintura de Salvador Dalí, de la cual esta a muy larga distancia de tener siquiera una comparación estética y de significados.

Otro de los artistas que menciona y hace referencia en una de sus obras es el expresionista austriaco Egon Schiele. La pintura de este maestro muestra de una manera poderosa, cuerpos esqueléticos en posiciones eróticas.. mujeres y hombres exponiendo sus penes y vaginas provocativamente, pero con esa aura de decadencia en cada línea y trazo, acompañados de colores ocres y mostaza, mostrando que su depresión y sentir humano a inicios de la primera guerra mundial, es autentica y sicológica… más allá de una pose para crear una identidad mediática, como lo es el caso del reberendo Manson. 

Manson homenajeando a Egon Schiele:

Todo esta muerto en vida, cita de Schiele que aparece en su arte, ubicado siempre en la frontera entre la muerte y la vida, sus cuerpos aparecen desnutridos y enfermos, la tensión de su obra esta en el lenguaje exagerado y teatral de sus modelos, como en el lenguaje expresivo formal.

 Obra de Egon Schiele

Para ejemplificar el ambiente de inicios de siglo XX, una cita sobre el clima de Viena del contemporáneo de Egon Schiele, Kokoschka: “No aguanto más aquí, es de una rigidez como si nunca se hubiera escuchado un grito. Todas las relaciones tienen un proceso calculado desde el comienzo y los seres son todos lúgubres, consecuencia de su forma de ser como marionetas”, se quejaba en una carta de 1909 (Elger, Expresionismo, 2003 Taschen)

La pintura de Manson, si bien inspirada en estos maestros, no tiene sino un punto de partida expresionista en un sentido naive, pero no es posible equiparar su punto de vista mediático y hedonista con la obra de Schiele, que saca las entrañas de sus personajes de una manera desagradable y lúgubre para el espectador.

"The Path of Misery" recopila obras de entre 1999 y 2008, permanecerá del 4 de noviembre al 5 de febrero de 2012 en la ciudad de México.