aLotofArt

Manson, expresionismo mediático.

2011-11-30T20:38:00.001-06:00

Marilyn Manson en San Ildefonso,que morbo. El artista que ha creado su nombre a partir de una diva hollywoodense,un asesino en serie ahora preso y se ha proclamado el anticristo rompiendobiblias durante sus conciertos, ahora expone acuarelas.

Marilyn Manson muestra 30 retratosen acuarela que no sorprenden, por tratarse del mismo estilo propio tétrico ylúgubre de su música y videografía.

En ellos exhibe su universoinfernal, con personajes oscuros de miradas perdidas y algunos que incitan demanera erótica su corporalidad cuasi esquelética (algunos autoretratos). Enellos la vulnerabilidad humana se muestra desde pinceladas gruesas de loscontornos, pero con colores al interior que crean facciones que se difuminan ydeshacen, ningún personaje es limpio, el blanco no logra ser blanco, el pinceles turbio y los colores fuertes como el rojo crean ilusiones ópticas dellamas…. Los seres arden en sus propios deseos o se pierden en la soledad desus entornos.

En su pintura bidimensional sepuede ver a un ser humano triste, desolado, un hombre vacío de sensaciones, quiza un poco como el ser humano quecritica Nietzsche, que sólo es hedonismo satisfactorio. Un ser llenode sicotrópicos y ensimismado en su placer mortífero.

Los colores utilizados porMarilyn son muy vivos, rojos y azules intensos que desvían la mirada y lectura delos temas tristes que representan.

La muerte es una constante en laobra de Manson, sus seres se encuentran a su espera, la desean a otros, o lagozan en estado de éxtasis. La desnudez acentúa la fragilidad de larepresentación y los títulos rematan la violencia de las obras: Cada mañanaella debería rezar para que los demonios devoren a sus padres. Su mundo es deesclavitud, prostitución, violencia y decadencia.

El alma de sus obras reside enlas miradas, ya sea una mirada perdida en una botella de alcohol, una miradasin punto fijo, o un cuadro azul en el que la mirada difuminada de la modelovuelve etéreo de una manera muy bella, su propio momento. La acuarela deMarilyn es el instrumento que da la fuerza a estas miradas.

La pintura de Manson parece hechapor un paciente psiquiátrico a su doctor, quizá la mejor interpretación que sepueda dar a su obra venga del sicoanálisis freudiano, y creo que es la razónpor la que el mismo se ha autoproclamado seguidor de la pintura de SalvadorDalí, de la cual esta a muy larga distancia de tener siquiera una comparaciónestética y de significados.

Otro de los artistas que mencionay hace referencia en una de sus obras es el expresionista austriaco EgonSchiele. La pintura de este maestro muestra de una manera poderosa, cuerposesqueléticos en posiciones eróticas.. mujeres y hombres exponiendo sus penes yvaginas provocativamente, pero con esa aura de decadencia en cada línea ytrazo, acompañados de colores ocres y mostaza, mostrando que su depresión ysentir humano a inicios de la primera guerra mundial, es autentica y sicológica…más allá de una pose para crear una identidad mediática, como lo es el caso delreberendo Manson.

Manson homenajeando a Egon Schiele:

Todo esta muerto en vida, cita deSchiele que aparece en su arte, ubicado siempre en la frontera entre la muerte yla vida, sus cuerpos aparecen desnutridos y enfermos, la tensión de su obraesta en el lenguaje exagerado y teatral de sus modelos, como en el lenguajeexpresivo formal.

Obra de Egon Schiele

Para ejemplificar el ambiente deinicios de siglo XX, una cita sobre el clima de Viena del contemporáneo de EgonSchiele, Kokoschka: “No aguanto más aquí, es de una rigidez como si nunca sehubiera escuchado un grito. Todas las relaciones tienen un proceso calculadodesde el comienzo y los seres son todos lúgubres, consecuencia de su forma deser como marionetas”, se quejaba en una carta de 1909 (Elger, Expresionismo, 2003 Taschen)

La pintura de Manson, si bieninspirada en estos maestros, no tiene sino un punto de partida expresionista enun sentido naive, pero no es posible equiparar su punto de vista mediático yhedonista con la obra de Schiele, que saca las entrañas de sus personajes deuna manera desagradable y lúgubre para el espectador.

"The Path of Misery"recopila obras de entre 1999 y 2008, permanecerá del 4 de noviembre al 5 defebrero de 2012 en la ciudad de México.

Ron Mueck… fragilidad desnuda

2011-10-05T00:52:00.003-05:00

La exposición montada en el antiguo colegio de San Ildefonsosobre el escultor Ron Mueck (1958, australiano), es una corta muestra deltrabajo del artista, sin embargo es un buen ejemplo de su obra.

Hiperrealismo de alto impacto, así ha sido mal llamada laexpo, ya que si bien son esculturas en un alto grado detalladas para cumplircon su función realista, su mismo tamaño, ya sea engrandecidas oempequeñecidas, les quitan el carácter real, verídico, por tanto no muestran la realidad de una manera más real, sino una variante de ella a escala.

El cambio deproporciones, lo que muestra es una fragilidad del material que representa laescultura: la vida humana a través de un cuerpo finito.

Los hombres y mujeres que esculpe Mueck, están casi siempredesnudos y en posiciones de debilidad, ya sea acostados, en cama conla sabana blanca o en una balsa enorme a la deriva. Aunado a esas condicionesde vulnerabilidad, los seres que esculpe son bebés enormes, personas de la terceraedad o hombres con caras desconcertantes y miradas perdidas en proporcionesdisminuidas, jugando con el deseo de protección ante tales imágenesdesamparadas.

El reflejo de estas esculturas ante nosotros, es molesto eintimidante, somos nosotros que vemos nuestra debilidad, la tristeza,desesperanza y fragilidad de un ser humano. Las arrugas, pliegues, expresionescorporales y faciales, nos acercan más a lo que somos sin mascarás, sin lasociedad de consumo ocultando la muerte con productos de belleza y ropa dediseñador.

La expresión facial y corporal de sus esculturas connotansoledad, desesperanza, un ser sin nadie alrededor, sin el entorno que en su“realidad” lo envuelve de ropas, accesorios y comodidades que le da unaseguridad de saber quien se es, ocultando el vacío del ser, ese que a vecessentimos al estar solos y cuestionando la vida misma.

Un vacío que es personal pero que escondemos con acciones,por ejemplo… un padre cuidado a cada momento a su hijo, enseñándole algo que niel conoce y ocultando la realidad por medio de cuentos con moraleja e ideologíaoccidental… nadie al ser niño piensa que va a morir y en vez de eso, todos acualquier edad buscamos un happily ever after tipo Disney.

Por otro lado caben destacar las composiciones de algunas esculturas, que evocan escenas bíblicas como en el caso del Juventud, 2009, en el que un negro adolescente se mete el dedo en un llaga de su torso, cuestionando su misma realidad, como lo hizo Santo Tomas. En otra de las esculturas, un bañista esta en posición de reposo tomando el sol, pero la museografía lo exhibe colocado en mitad de pared cual crucificado... aludiendo a los arquetipos arraigados por nuestra sociedad... a mi parecer, otro punto más para la identificación tan fuerte con la obra.

La obra de Mueck bien podría hacer referencia a la escultura hiperrealista de Duane Hanson, que realizo a escala real y como buen hijo del pop art, de una manera cínica, realizando obras que representan amas de casa y turistas gordos, con el outfit americano y sus estilo de vida sobrevalorando el consumo. En palabras de Eleanor Heartney: las esculturas de Duane son tan verosímiles que la gente las confunde con personas, las de Mueck hechas con fibra de vidrio, resina y siliconas, también presentan el máximo grado de detalle, pero es imposible tomarlas por seres reales debido a su escala… y a la manera de presentarlas, en donde el soporte no deja de ser importante y siempre hay un artificio que descubre la representación.

Esculturas de Duane Hanson:

Nam June Paik - Videoarte.

2011-09-24T02:06:00.004-05:00

Nam June Paik (Corea del Sur 1932- EU 2006) fue un compositor yvideoartista excepcional, que explotó de manera creativa y conceptual elpotencial del lenguaje televisivo. En perspectiva, aún con los adelantos tecnológicos contemporáneos y lacapacidad de lectura que la era multi-mediática nos ha proporcionado, sigueconsiderándose un pionero en la crítica y el entendimiento de este medio masivode comunicación.

En 1963 Nam June Paik y WolfVostell bautizaron al arte en movimiento grabado o manipulado en video comoVideoarte, un novedoso formato apoyado por el performance y el arte conceptual.Un arte que se baso en la manifestación de la ruptura con lo convencional o“visualmente correcto”, pues se valió de parámetros espacio-temporales einteractivos novedosos.

El videoarte ofreció variasposibilidades, por ejemplo en la grabación de acciones: los trabajos deartistas que difunden sus performances pregrabados en el momento de sus intervenciones en directo. Este tipo deacciones, estaban orientadas a la recuperación de la noción de tiempo real;investigaciones sobre el espacio-tiempo; instalaciones de vídeo, videoesculturas o videocreación.

Como pionero, Paik estuvo a lavanguardía en cuanto a cámaras y tecnología televisiva, por lo que se conoce laanécdota de que obtuvo en 1965 la primera cámara portátil de Sony, mucho tiempoantes de que esta cámara saliera a la venta, con la cual comenzó su exploracióncreativa hacia la imagen creada a partir de líneas.

Por medio de saturación ymultiplicación de la imagen televisiva, Nam June Paik nos ha hechocuestionarnos qué somos, qué consumimos culturalmente y cómo nos ha influenciadomediáticamente la caja mágica dentro de cada hogar. Nos ha mostrado que eldiscurso en ella presentado, se ha nutrido de la vida misma, pero también la hamoldeado a partir de ideologías, que han retroalimentado nuestra forma de ser yel status que debemos portar según los estereotipos de lo trasmitido.

Para Regis Debray la imagentelevisiva se encuentra en primer plano, por no tener las connotacionescinematográficas de tamaño y atmosfera de exhibición; este primer plano siemprepresente, es un aparato de creación ideológica, apoyado además por suunilateralidad en su manera de comunicar y por el chorizo informativo constanteque ha introducido cualquier imagen a la cotidianidad, pero al mismo tiempohaciendo perder sus valores intrínsecos –artísticos, espirituales,cosmogonicos….-

Por otro lado, Paik ha criticadoy modificado el lenguaje que los medios han impuesto a la programación televisiva,en donde la narrativa y la moraleja, además de la dirección al posicionamiento de productos para hábitosde consumo, son lo cotidiano de cualquier televisora a lo largo del mundo, congrandes excepciones como lo han sido los programas de la BBC, NationalGeographic y algunas que han querido dar más que entretenimiento.

En este sentido Nam June Paik ha recreadoun lenguaje abstracto a partir de la imagen representacional. Un metalenguajeque se basa en el ritmo, la forma, el color y la critica filosófica de problemasdel ser humano, como el observarse a si mismo a través de ese espejo infinitoque es el televisor.

Por medio deesculturas-video-performances ha logrado representar las vías de comunicaciónde Estados Unidos, con televisores que marcan no sólo la geografía sino tambiénla ideología mediática que narran en cada estado.

Ha recreado dentro del Gugenheimde NY una torre de Babel de televisores, en donde la imagen se puede seguir porcada piso del museo y el discurso sintagmático se ha vuelto también anacrónicopor la multiplicidad de pantallas que despistan los mensajes y crean unaconfusión que sólo es equiparable a la aldea global que nos une pero a la veznos divide a cada uno de nosotros. Unidos por una red, separados por unapantalla. En esta misma obra se haapoyado de rayos lasers que se van reflejando en espejos y que trepan hasta lomás alto de la arquitectura creada por Frank Lloyd Wright, simulando a su vez yde manera visible, la información satelital que va y regresa cual aleteo decolibrí.

Una de sus obras mas sencillaspero más llenas de significado es buda meditando en circuito cerrado auto-contemplándose…Buda se mira en el televisor en un bucle infinito, no es más que él mismo dibujándoseuna y otra vez. Buda se pierde en su mente pero el medio no lo abandona. Elmasaje es continuo…

La critica de esta obra es dura,ya que la familia contemporánea tiene como templo el cuarto de televisión, uncuarto de meditación convertido en un lugar de bombardeo mediático, demanipulación, multiplicación ideológica y un nivel profundo de destrucción delindividuo y alienación de corte nacionalista, ejemplo claro representado en lacortinilla de inicio de los Simpson.

Ya en la década de los sesentaPaik produce su primera escultura robot hecha con pantallas y radios,trasmitiendo versiones preliminares de lo que en un futuro serian los videosmusicales, hechos a partir de reproducción electrónica de imágenes y cortesabruptos.

Nam June Paik estudio música eHistoria del Arte en la Universidad de Tokio, pero como Jhon Cage, llego a laconclusión de que la música no sólo se crea de las notas y las partiturasinstitucionales… En su performance colectivo, convoco a estudiantes a hacermúsica trasgrediendo los significantes, rompiendo pianos, violines y otrosinstrumentos musicales contra paredes o pisos y decorando los instrumentos concolor esparcido y tirado sobre ellos por medio de acciones colectivas.

En 1959 presento su performance“Hommage a Jhon Cage” con música pregrabada y motocicletas, además de laparticipación de sonidos de gente y un pollo.

Nam realizo la desintegración dela estructura tradicional musical, como resultado de incluir sonidos, silencio,gestos, mímica y sonidos cotidianos, presentados en el festival de Fluxus en1962, organizado por Maciunas.

Dentro de sus obras de granmagnitud, se encuentra la creada para los juegos olímpicos de Seúl en 1988, llamadaWrap around the World, en la cual coloco en forma de pastel una serie de 1003pantallas televisivas compuestas por imágenes abstractas y performance dealgunos iconos pop como David Bowie.

Nam June Paik dejo su legadoestético y conceptual a nuevas generaciones, que deberían ser aún más críticaspor tener un acceso cotidiano a las tecnologías de información y estaromnipresentes en la red… sin embargo, su discurso parece actual y novedoso, yaque aún no hemos creado un metalenguaje de los medios con los que tanto nossentimos “familiarizados”, como es el Internet y sus múltiples utilidadescomunicativas, aún en desarrollo.

Yves Klein, in blue

2011-07-05T23:56:00.028-05:00

Yves Klein, in blue: el anhelo de llegar a la profundidad del alma, lo etéreo del ser humano.

(Yves Klein: dícese del…

Artista abstracto francés de expresión de posguerra / Creador de performances y obras monocromáticas que explotan de éxtasis en él espacio azul etéreo infinito / Artista perseguido por el vacío de una obra transparente, la sinfonía de una nota y las curvas femeninas azules que resaltan la hermosura de las zonas erógenas femeninas; bellezas que premonitoriamente había exaltado Matisse en su obra con más sensualidad y movimiento)

Obra de Henry Matisse.

La inspiración de Klein, fue este azul intenso que patento como International Klein Blue, el azul que puede ser infinito y alegre como el horizonte por la mañana, o un azul melancólico como la frase americana que indica estar triste.

Antes de su aparición la gente pensaba que el geometrismo armónico de Mondrian y el cuadrado negro de Malevich marcaba el limite extremo de lo que la pintura era capaz de formular, pero Klein supero esta creencia. Ya que formulo su profundo, mate y luminoso azul ultramarino que permitió al artista hacer visibles las cualidades materiales y espirituales del color, siguiendo los pasos de algunos expresionistas abstractos como Ad Reinhardt o Mark Rothko

Obra de Mark Rothko

El color IKB que utilizo en la mayor parte su obra, ha sido una reminiscencia del lápiz lazuli utilizado para pintar madonnas del medievo, pero en su caso, el aspecto suprematista (indudablemente influido por el pintor ruso Malevich) con el fin de crear una ambigüedad espacial y una concepción espiritual.

El arte de Klein tiene reminiscencias del constructivismo y suprematismo, “en el sentido que busca un arte universal y colectivo para todos, alejado de individualismo y subjetividad”. (Arte del Siglo XX) … una tendencia hacia lo absoluto e infinito

Obra de Malevich

En este camino, Malevich fue el primero que intento obtener una pintura absoluta, liberada de cualquier referente objetivo. En 1913 hizo el “cuadro negro sobre fondo blanco” ascetismo de Malevick que lo llevo al borde de la nada y que alcanzó su culminación en “cuadro blanco sobre fondo blanco”… tendencia que marco la obra de Yves Klein para llegar a la obra monocromática. (Arte del siglo XXI)

Obra de Malevich

Tras estos experimentos se encontró el viejo sueño de la obra de arte total, la obra que abrazaría y reconciliaría la mente y la materia, que incluiría al mundo y a la vez, lo trascendería.

Dentro de sus obras más auténticas se encuentran las Antropometrías, en las que utilizo mujeres desnudas a manera de pinceles vivos en performances, acompañadas de una sinfonía compuesta por una nota y silencio, para ser tocada por una orquesta en vivo (1957), haciendo recordar la obra de Jhon Cage, en la que la música se mezcla con el entorno y hace del sonido una trasparencia presente-ausente.

En otra de sus obras, utilizando de nueva cuenta mujeres desnudas, recreo siluetas con pintura en aerosol e imprimió la imagen con ráfagas de fuego en el lienzo especial. Cabe mencionar, que el hecho de que Klein mueva a las mujeres-pinceles como objetos y concluya la obra con llamaradas de fuego que expulsa a modo de chorros de semen, hace reflexionar que este artista utiliza el fetiche y los estereotipos de masculinidad de la sociedad actual en una doble moral, de respeto e igualdad, pero de un intrincado machismo cultural.

Jugando con el concepto del museo y la recepción de la obra por el público y los críticos, Yves organizo una exposición de “obras trasparentes” en la Galería de París, Iris Clert. A esta muestra asistieron más de 3000 personas a ver “el vacío”. Un performance en el que Klein reto al lector a pensar en el material invisible de la obra, la inmaterialidad de sus soportes y por lo tanto, su conceptualidad.

El espacio museístico fue enmarcado con cortinas y marcos azules en las ventanas y para los asistentes ofreció bebidas en color azul. Quizá lo hizo en un tono satírico como lo realizo su discípulo, Piero Manzoni al hacer de los asistentes, la misma obra de arte al firmarlos, auque en el caso de Klein, el lector se volvía parte de la obra intangible, al estar dentro del marco del azul, respirar el ambiente de la sala y beber el color en esta comunión con el vacío de Yves.

El quería que la audiencia experimentara la idea como sentimiento, como una comprensión misma.

Klein vendió espacios vacíos de la ciudad a cambio de oro, para su obra Zones of immaterial Pictorial Sensibility, con la finalidad de que los compradores sintieran el vacío de adquirir un espacio hueco, dotándolos de un certificado de propiedad.

Como segunda parte de la pieza, si el comprador estaba de acuerdo con prenderle fuego al certificado de propiedad, Klein tiraba la mitad del oro pagado en el río Sena, con el fin de restaurar el orden natural que había desbalanceado al vender el espacio vacío. La otra mitad del oro, lo utilizo para crear otra serie de obras.

Klein a dejado obras efímeras revisitadas en performances, pero también ha legado obras temporales que se anuncian a diario, como por ejemplo, en la fachada del Guggenheim de Bilbao, en donde por la noche, aparecen unas llamaradas de fuego en medio del lago que envuelve la estructura de metal del museo y que crean una atmosfera excéntrica y calida al iluminarlo.

No hay obra que demuestre la versatilidad de Klein, que la fotografía en la que se lanza al vacío desde la azotea de una casa hacia el pavimento… ese collage en el que el artista demuestra que las barreras físicas han sido rebasadas por las estéticas, ideas provenientes también de la corriente oriental del Judo, del cual fue cinta negra y profesor.

Cabe mencionar que las obras monocromáticas de Klein, han sido la base para la creación de los acromos de Piero Manzoni, los cuales ha realizado a partir de repeticiones de texturas y materiales, en color neutro (dependiendo del material utilizado, creando composiciones naturales en las que el autor apenas ha intervenido)

Obra de Piero Manzoni

En la repartición artística del mundo, Klein eligió y firmo el cielo…hizo la melodía de una sola nota y vendió lo inmaterial por oro… Klein esperaba que por medio del arte se pudiera realizar una nueva y grandiosa civilización mundial de lo bello”

Murió de 34 años debido a un paro cardiaco, creando un silencio involuntario e infinito, e inspirando a artistas contemporáneos en el arte de lo efímero y lo contemplativo, el arte de la idea-abstracción.

Galería Efímera: Error 404

2011-06-08T01:01:00.012-05:00

Error 404 ha sido una galería efímera inaugurada y clausurada el sábado 4 de junio de 2011, en el domicilio del artista Guillermo Eduardo, el cual nos propone una lectura de su obra en dos vías, por un lado haciendo una critica de la forma en que se exhiben obras en museos y por otra, con la propia obra, compuesta por performances, fotografías y video en plasma.

Continuando con la tradición de crítica hacia la exhibición museística de artistas como Jhon Cage y Piero Manzoni, Guillermo Eduardo expone su obra en su habitación y en la sala de su hogar, haciendo una crítica al arte institucional y la forma en que se exhibe al publico, en donde asistir al museo es parte de un ritual poco lúdico y más bien serio y respetuoso. Además, proponiendo de manera conceptual, el nombre de la galería como un error informático o el piso en el que se presento el evento.

En el mismo tenor Guillermo Eduardo plantea continuar con la “estética relacional” acuñada por el crítico francés Nicolas Bourriad, en la cual la interacción y la relación social de los espectadores, la obra y el artista son lo más importante, ya que burlan las formas capitalistas de intercambio y desmantelan los mecanismos habituales para evaluar la calidad y el valor de una obra de arte (Heartney, Arte Hoy, 2008); así, se pudo interactuar en un espacio no “sacro” e incluso pisar obras pertenecientes a intervenciones pasadas (como la mostrada a continuación de la autoría de la artista Exa Sánchez)

Guillermo nos muestra su obra multimedia en distintos formatos, primero con performances momentáneos que tienen que ver con acciones ordinarias como el amasar pasta para preparar empanadas al horno, no sin antes verificar el horno introduciendo su propio cuerpo. En otro de sus actos, recibe a los espectadores con una mascara de Darth Vader e introduce el tema de sus fotografías como una botarga anunciando un producto por medio de un megáfono.

Parte de la obra ha sido montada entre intervenciones, en los cuales viste trajes divertidos y espontáneos, mientras posa para fotografías que enseguida son montadas in situ para ser vistas a través de una pantalla de plasma de 42”, en donde los mismos espectadores se vuelven parte de la obra al ser fotógrafos o fotografiados y luego verse en el video montado en el mismo momento.

Paradójica y contradictoriamente a la presentación de la galería y los performances espontáneos, la obra fotográfica que presenta, está montada de una manera cuidada y estética, en donde las composiciones y las propias maria-luisas de las obras han sido atendidas en exceso.

El tema de la obra fotográfica se basa en los escombros y chatarras encontrados aleatoriamente en barrios citadinos. Obras en las que los colores, texturas y composiciones, hacen de la basura y contextos sucios, algo estético y atractivo por medio del nuevo entorno de exhibición y el recorte de la cámara de pixeles del artista.

Parte de la obra ha sido documentada con el video in situ editado y enviado a la pantalla vía air-play y por las fotografías que los espectadores-creadores han tomado durante la exhibición, sin embargo y parafraseando a Duchamp… la obra ha sido definitivamente inconclusa… hasta la próxima apertura de la Galería 404.

El artista de la mierda de oro: Piero Manzoni

2011-05-31T20:01:00.012-05:00

Las 90 latas de mierda de artista (1961), puesta en latas de conserva de 30 gramos cada una de ellas y vendidas a precio de oro, son parte de la obra más controversial del italiano Piero Manzoni (1933-1963), con la cual no sólo busco escandalizar a la sociedad de los años 50´s sino también irrumpir y trasgredir la institucionalidad museística y los parámetros de la estética, el valor, la pureza y la belleza de la obra de arte, tema en el que algunos artistas ya habían hecho un camino oscuro.

Artistas del siglo XVII como el Bosco y Bruegel habrían presentado imágenes grotescas de carnavales orgiásticos, donde lo escatológico es parte de sus representaciones artísticas obscenas y depravadas. Por su parte Salvador Dalí muestra un ser embarrado de mierda en un primer plano en su obra El juego lúgubre (1929), obra que juega con el yo, el súper yo y el ello, basada en la teoría de Freud.

Artistas contemporáneos como Mike Kelley y Paul Mccarthy en colaboración, recrean una historia lúgubre sobre Heidi, la niña de las praderas y su abuelo, en un ambiente oscuro pop, donde los dos personajes realizan escenas de Lolita en potencia y pedofilia. (Heidi: Midle life trauma center, 1992)

Kiki Smith ha mostrado en su trabajo la corporeidad por medio de esculturas casi hiperrealistas de desnudo y de órganos internos saliendo de orificios corporales, mezclando belleza humana con asco. En su obra Tail (1992), una mujer va arrastrándose en cuatro patas, dejando un hilo de mierda detrás suyo, la vulnerabilidad en su máxima expresión.

Artista de Mierda de Manzoni, no sólo expresa trasgresión, también introduce el tema escatológico y de abyección en el cual lo corpóreo, efímero y mortal del artista se vuelve parte del halo que envuelve su calidad de ser único …. A decir verdad la mierda es un residuo corporal humano, otra creación si bien no artística y estética, sí involuntaria y ordinaria… con la excepción de que no cualquier ser humano puede vender su mierda a precio de oro.

Líneas es otra de las obras de Piero, en la cual se muestra un recipiente con una etiqueta que asegura contener dentro un papel con una línea tan larga como una longitud infinita…. La línea es un concepto de la mente.

Por otro lado, realizo dos bases mágicas: la primera designa que quién se ponga encima de ella será declarado un “artista” (durante el tiempo que dure arriba); la segunda es una base puesta al revés, y según sus palabras “sostiene al mundo entero” y por tanto, lo sube al pedestal que designa una obra de arte… ahora todo ser y todo material es una obra de arte de Manzoni.

En este mismo tenor, ha creado obras comestibles con huevos, firmándolos con su huella digital y ofreciéndolos como desayuno a los espectadores que asisten a la expo.

Si bien Líneas y Mierda de Artista de Manzoni tiende a ser conceptuales debido a la idea de lo que se supone e indican las etiquetas de las latas que las contienen, no dejan de tener reminiscencias surreales, en donde el inconsciente no distingue de distancias ni tiempos, ni mucho menos de cuestiones morales escatológicas que son eliminadas en el momento de la pulsión e instintos animales del ser humano…

Así, el valor de la obra de Manzoni, reside en la contradicción que nos enfrentamos con el mercado capitalista contemporáneo… será muy criticado por haber vendido mierda a precio de oro… pero si volteamos a nuestro alrededor, gran parte de lo que consideramos valioso tiene que ver con marcas que consumimos a precios estratosféricos... y no vallamos tan lejos… ya Madonna ha pedido que se destruyan los retretes de los hoteles en los que se hospeda para evitar que ociosos vendan el mueble en el que alguna vez defeco.

Manzoni es heredero de la cotidianidad y del ready made de Duchamp, la inmaterialidad de la obra de arte de Warhol y un vanguardista también en la manera en que se expone la obra (producto de la influencia de su contemporáneo Klein), en donde la obra misma puede ser el espectador apenas firmado por el artista.

Zona Maco… Feria de Arte Contemporáneo

2011-04-07T00:42:00.013-05:00

La feria Zona Maco inaugurada el día de hoy en el Centro Banamex, ha sido una gran sorpresa para los amantes y coleccionistas de la creatividad en sus distintos formatos.

Las propuestas de los 900 artistas de más de 90 galerías de todo el mundo reunidas en esta feria son impresionantes y eclécticas, lo que le da la riqueza a la Feria y a las distintas obras y formatos presentados.

Cabe mencionar que en muchas de las obras expuestas, se han dejado ver las influencias del arte conceptual de Marcel Duchamp, el pop art de Andy Warhol, el pop cínico de Jeff Koons, algunas obras de op-art y arte abstracto que nos recuerda a Pierre Soulage y Frank Stella, e incluso hay obras realizadas en el estudio y bajo su supervisión del propio Murakami, por sólo mencionar algunas referencias de la exhibición.

Existe un Pabellón de diseño muy interesante en donde se pueden adquirir piezas decorativas con motivos referentes al arte de la Expo y varias revistas del mundo del arte.

Algunos de los artistas que exponen lo hacen de manera formal-cómica, por ejemplo en la obra de Fotografías frontales de las señoras representativas de la clase alta de la ciudad de México, entre ellas Silvia Pinal, Guadalupe Loaeza, Lolita Ayala… nos dejan ver su entorno, clase social y aspiraciones en fotos de bustos, por medio de maquillajes, peinados de salón, cirugías estéticas, joyas y ropajes que denotan el símbolo de poder que en nuestra sociedad representan. Otra aspecto interesante de esta obra es que los espectadores se reflejan y por medio de murmuraciones y risas, reconocen rasgos y/o personalidades cercanas a ellos mismos.

Una de las obras que me parecieron más interesantes es la denominada “you talk about it, but i just can´t see it” de José Dávila. En ésta, el autor nos muestra fotografías carentes de un espacio recortado, que corresponde a monumentos celebres de arte contemporáneo alrededor del mundo. Creo que esta obra se burla de nosotros al mostrarnos algo que no existe, un contorno que nos indica que algo estuvo allí, pero que no vemos, la misma relación que nos preguntamos al encontrarnos frente a una obra: ¿Esto es arte? Tu me lo explicas, yo no lo veo….

Por otro lado, aparecen artistas en el tenor de reclamo social, como lo hace Teresa Margolles con su obra de cortina de tienda. Ésta obra estética y plásticamente remite a Tapiés a primera vista, pero adentrándose en ella, uno puede reparar que tiene hoyos realizados por balas, índice de la matanza de unos jóvenes en Culiacán Sinaloa frente a esta cortina de metal. Así la obra no sólo se lee como un material trasgresor, sino como un grito social ante la violencia que vive México.

Por otro lado y como performance, podemos ver a una mujer danzando en una obra que es temporal y se transforma a cada paso y que por no ser video grabada, sólo pertenece al tiempo y espacio actual de exhibición, donde el espectador conserva la obra mentalmente… su intangibilidad es su propia materia prima. Del mismo modo en Maco encontrarán un Cristo que deambula descalzo entre los mortales, como parte de un performance que incluye un clasificado en un periódico, en donde puedes solicitar que Jesús te bendiga.

Más allá de ser una feria mercantil de arte contemporáneo, Zona Maco es una exhibición de obras inteligentes en su concepto, forma, contenido, material y expresiones, que puede ser leída en un entorno social amigable y divertida.

Al final no estamos entrando a un museo con el ritual que esto conlleva y podemos dar cuenta de las tendencias del arte actual y las problemáticas que nos muestra para enseñarnos un poco más de nosotros mismos como seres sociales.

Para detalles de la expo visita: http://zonamaco.com/

Remedios Varo en el MAM

2011-03-28T23:25:00.011-06:00

El primer acercamiento que tuve con la obra de Remedios Varo, fue por medio de unas reproducciones tamaño póster que tenía mi prima Laura la sicóloga, alrededor de todo su cuarto.

En ese entonces yo tenía 8 años y su cuarto lleno de estas obras me pareció terrorífico, un poco el reflejo de lo que ella inspiraba… un ser bello pero hermético que vivía su realidad en sueños…

Ahora, 20 años después, mira algunas de sus obras en el MAM y me sigue impresionando de distintas maneras, excepto de la terrorífica de antaño…

Varo puede intimidar al espectador de distintas maneras, por medio de seres solitarios y sus creaciones divinas; con ambientes suspendidos en un tiempo y espacio oníricos (a veces entre brumas); los gatos que detrás de cada agujero aparecen y los ojos que como en el gran vidrio de Duchamp, nos miran mirando la obra y reflejan nuestro vouyerismo de querer ver más allá de la obra, de la mente de Remedios.

Remedios Varo tuvo la capacidad de soñar despierta, sus obras son hechas con una calidad muy fina en cada pincelada y sus líneas precisas, su automatismo consciente es maravilloso, presentando sus imágenes oníricas con una nitidez realística… nos invita a entrar en su inconsciente pero no nos advierte que sus imágenes han penetrado en el nuestro.

Entre ellos los seres antropomórficos alquimistas dando vida y orden al universo con rayos de luz, viento o música, vagabundos cargando recuerdos, y espacios insólitos (como un closet del que está escapando un pedazo de cielo).

Creo que Laura, se miro al espejo y vio a Remedios Varo en ella, una mujer enigmática, con cara de gato, que se permitió hacer volar su mente y nos regalo algunas de sus imágenes en lienzos, una mujer que nos penetro el alma con sus personajes en trance.

A mi, Laura me dio el regalo de conocer a una de las grandes surrealistas, Remedios, que a su vez, me ha dado una gran dosis de catarsis surrealista en estas obras exhibidas en el MAM.

En la muestra se presentan obras de otras mujeres surrealistas contemporáneas de Varo, entre ellas Leonora Carrington, Horna, Izquierdo y Frida Kahlo, con obras que reflejan las premisas del surrealismo… pulsión, sexualidad, irracionalidad, libertad temática entre otras….

Kahlo.

“Quiero que la Gente se calle tan pronto deje de sentir”

André Breton,… del Manifiesto Surrealista. (1924)

Aclaración:

Si bien el surrealismo es parte de las corrientes de vanguardia de principios del siglo XX, AlotOfArt realiza este post en honor a la exposición encabezada por Remedios Varo en el MAM y en gran parte, porque este “ismo” es muy importante para el análisis de obras contemporáneas, que citan o se basan en los principios del surrealismo definido por Breton en 1924.

Francis Bacon, horror y muerte

2011-03-22T23:22:00.017-06:00

Lo único seguro e idéntico que comparte el hombre, es su condición humana finita, que inevitablemente lo enfrentará con la muerte.

Esto es lo que el inglés Francis Bacon nos muestra en su pintura, fruto de su entorno cultural entre la primera y segunda Guerras Mundiales; pero sobre todo por sus antecedentes personales, ya que sufrió de asma durante toda su niñez y fue tratado con morfina, además del hecho de haber sido rechazado y corrido de su hogar a los 16 años por ser gay.

La pintura de Bacon es parte de la corriente denominada Neofigurativa, movimiento nacido entre 1950 – 1960 caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción y que se identifica por el tratamiento del tema de una manera informal pero expresionista.

La pintura neofigurativa suele tener un sentido de denuncia social con tendencias expresionistas en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas.

Bacon, es a la pintura, lo mismo que inspira su nombre: un tocino, carne que viene de la muerte… Bacon muestra al hombre como un trozo de carne echado para su venta. Salvador Dalí utilizaba el tocino de manera surreal-aleatorio, pero también para recalcar lo efímero y putrefacto de sus modelos.

Así, las obras de Francis muestran expresiones deformes influenciadas por el cubismo de Picasso, en contra de lo que los productos culturales actuales ofrecen; en sus pinturas no hay satisfacción, misericordia ni un “happily ever after” de Disney…. Bacon nos dice: somos un efímero ser en este mundo, que huimos del terror de la muerte y de nuestros miedos, disfrazándolo de marcas y productos que nos alejen de la vejez… de la putrefacción.

Bacon es hijo de la corriente artística del horror del siglo XVII, que viene desde Bruegel, Goya y el Bosco, donde expresan imágenes de cuerpos deformes, en carnavales u orgías en una estética muy peculiar.

En sus citas aparece el artista español Diego Velazquez, mago del pincel y de la representación. Velazquez presenta sus personajes de una manera magistral, fotográfica, pero paradójicamente con una técnica que hace aparecer la abstracción en cada pincelada… mira de cerca su obra y será un cúmulo de colores y texturas, de lejos, una reproducción cuasi fotográfica… de allí su enigma, allí lo que atrae a Bacon en ese retrato del papa, donde es muy nítido, pero sus facciones son tenebrosas, su entorno es oscuro.

El papa pintado por Bacon esta disolviéndose en el horror de un grito, una figura enmarcada en una silla de oro, un representante de una iglesia que siempre ha mostrado una doble moral.

Bacon no disimula nada, todo es carne, huesos, muerte, desgarres…. Obras grotescas que nos muestran la abyección que nos circunda pero que maquillamos con relatos y productos; para Eleonor Heartney (Arte Hoy, 2008) estas deformaciones cumplen un servicio importante, y que al mostrar reproducciones grotescas o abyectas del yo y el mundo, subvierten las representaciones idealizadas y nos aproximan más al ser humano.

Conocerlo da pánico, pero no reconocernos un poco en sus obras, es tener los ojos cerrados a la vida, a lo real.

Al final su forma de ver la vida es un consejo que Bacon nos da, toma al toro por los cuernos… porque hay un destino indudable, ineludible y único para cada ser… la muerte.

Frank Stella, abstracción corrosiva…

2011-03-10T23:33:00.018-06:00

La posmodernidad minó todo resquicio de creencia en la pureza o la especial relación entre arte abstracto, espiritualidad y el ser universal.

Eleanor Heartney.

Arte abstracto que rebasa los limites del cuadro, colores y formas que parten de un lienzo y lo corroen, casi haciéndolo explotar, finalmente expandiéndolo y dándonos una imagen tridimensional, no sólo en ilusión óptica de profundidad, sino en formas físicas reales cargadas de color… esto es Frank Stella.

Su arte es una vertiente del expresionismo abstracto, arte nacido en Estados unidos, después de la Segunda Guerra Mundial y que como representantes tenía a Jackson Pollock con su pintura gestual de golpe de pintura de gran formato o Barnett Newman con sus pinturas de gran formato y monocromáticas que exaltaban la planeidad del plano pictórico.

Expresionismo Abstracto.

Hay que conocer las características más notables del expresionismo abstracto, seguido de la abstracción post-pictórica… para con esto, reconocer un poco de los aspectos y expresiones de Stella.

Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian.

Estos cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presentan como rasgos distintivos la indiferencia expresiva, en sus expresiones monocromas y por el contexto en que nacen, el fin de la segunda guerra mundial. En este sentido Jean Baudrillard comenta en la Trasparencia del mal sobre la bomba nuclear: “ya no cesará de obsesionar a la Tierra con su trayectoria, pero tampoco está hecha para tocar suelo. Ya no es una bomba acabada, ni que encontrará su fin (por lo menos así se espera); está ahí, en órbita, y basta para el terror, o por lo menos para la disuasión. Ni siquiera hace pensar en el terror, la destrucción es inimaginable, simplemente está ahí, en órbita, en suspenso, y en recurrencia indefinida…. Terror infundado por la segunda guerra mundial, que ha hecho indiferente a la misma estética.

Para el critico de arte Greenber, este carácter plano del expresionismo abstracto, separaba la obra de los antiguos maestros, que buscaban perspectiva y fondo por medio de técnicas ilusionistas. En este sentido, el arte expresionista abstracto busca su propio ser, en donde lo matérico toma un primer plano y avanza en sus obras partiendo del conocimiento previo, pero de una forma trasgresora. Es en este tenor en el cual Fontana ha reinventado la profundidad verdadera del lienzo, partiendo la tela con una navaja y permitiendo ver la profundidad no como una ilusión, sino como una realidad.

Abstracción Post-pictórica.

La abstracción post-pictórica se ramificó en dos grupos, los pintores Hard-Edged como Ellsworth Kelly y Frank Stella que se basan en la exploración de las relaciones entre formas y bordes, y los pintores Color-field como Helen Frankenthaler y Morris Louis, quienes vertieron pintura diluida en el lienzo sin imprimación para explorar los aspectos del color puro y fluido.

Obra de Stella.

Frank Stella comenzó en la decada de los 50´s realizando cuadros al estilo del formalismo plano, con cuadrados y rectángulos monocromáticos denominados Black paintings.

En la decada de los 60´s realizo pinturas monocromas planas de colores brillantes y un riguroso trabajo geometrico y para 1970 se convirtió en el artista más joven en recibir una retrospectiva en el Metropolitan Museum of Art en Nueva York.

En los 80´s dio un giro a su expresión abandonando los cuadros planos y comenzó a realizar pinturas-esculturas con relieves metálicos tridimensionales de colores vibrantes en forma de columnas, ondas y conos…

“En una conferencia dada en Hardvard postulo que para que la abstracción igualará el impacto del gran arte del pasado debería retomar conceptos como el volumen, el espacio interior y la caricatura (por la que el entendía la representación tradicional), que se habían perdido en la austeridad del formalismo”

Esta es la base de su nuevo arte, el creativo y monumental, en el cual representa y presenta un arte abstracto real, lo materico tal cual sin ilusión.

En la decada de los 90´s comenzo a realizar proyectos que asemejan el estilo de sus obras escultura en espacios arquitectónicos, proponiendo construcciones amorfas al estiro de Frank Gehry, sin embargo nada de esto ha sido construido aún.

Stella presenta en sus obras esculturas que moldean el espacio de una manera mágica, con colores y formas en las que el espectador puede introducirse, de manera que el espacio visual del ojo humano puede ser llenado en su totalidad por la obra rica en materiales, colores y formas.

La posmodernidad minó todo resquicio de creencia en la pureza o la especial relación entre arte abstracto, espiritualidad y el ser universal. Eleanor Heartney, vuelvo a retomar esta cita en la que se reconoce el valor de las obras abstractas post-pictóricas, que se pueden leer de una manera materica, rica en elementos visuales y formales, que configuran el espacio con sus caprichosas formas, y no buscan la espiritualidad y trascendencia de las pinturas de Kandinsky, Malevich o Mondrian.

Jeff Koons, pop cínico.

2011-03-06T11:25:00.013-06:00

Uno de los exponentes más importantes del arte contemporáneo es Koons y no sólo por tomar imágenes del inconsciente colectivo actual y explotarlas en su arte cínico pop surrealista, sino también por retomar el modelo de la Factory de Warhol y la producción de obras con su sello corporativo (Jeff Koons) muy al estilo de Murakami y Demian Hirts y hacer de su propia vida un acto creativo de pop y dinero ¿Por qué no, continuar acentuando la institucionalización y mercantilización del arte en la era del consumo exacerbado?

Este modelo de publicitar su nombre y su obra (fruto de la experiencia de trabajo adquirida en la casa de bolsa), ha llevado a Koons a los principales museos del mundo. Koons ha retomado parte del furor de los formatos televisivos actuales en boga, haciendo un reality show de su vida personal, al casarse con una mujer polémica metida en la política italiana (después de ser una porn-star) y hacer fotografía con tintes publicitarios pornograficos en la intimidad con esta princesa: Cicciolina. (Made in heaven, 1989)

El arte de Koons, ha sido muy prolifero, va del arte pop brillante en diversos formatos (exhibiendo imágenes pop como la Pantera rosa, Popeye o Michael Jackson), a lo surreal, donde la pulsión y las secreciones sexuales se dejan ver en estas obras hechas a partir de anuncios publicitarios. (easyfun-ethereal, 2001).

En su serie Inflates (1979), Koons muestra flores, conejos y representaciones naïves, muy coloridos, en viniles inflables, muy en la corriente de escaparates kitchs, arte para llevar a la playa, pero al mismo tiempo arte efímero (inflable) y de mal gusto.

Por otro lado, citando a otro de los artistas que han dado muerte al arte: Duchamp, Koons ha hecho una serie de obras denominadas Pre-new y The New (1979-1980) en donde a manera de ready-mades, ha seleccionado objetos cotidianos (como tostadoras, aspiradoras, calentadores o cafeteras) y los ha puesto en vitrinas o montadas en luces neones, lo que lo hace menos original que sus maestros, ya que no denota la primicia de elección de objetos cotidianos e indiferencia estética y funcional con la que Duchamp daba el estatuto de ready made a un objeto.

En este mismo tenor duchampiano, en su serie luxury and degradation (1986), ha retomado la premisa conceptual del lenguaje, para jugar con anuncios publicitarios y frases que incitan a la muerte y lujuria en carteles de distinta índole.

La etapa más original y creativa de Koons, sin duda ha sido con sus esculturas hechas con metal reflejante que simulan ser hechas por globos elásticos de payasos y que van de animales tulipanes, corazones. Esculturas que por su enormidad y brillantes, han llamado tanto la atención que han sido colocadas permanentemente en distintos atrios públicos (por ejemplo en el Rockefeller NY y Guggenheim Bilbao).

Es el caso también del multicitado Puppy, hecho de metal, madera, tela y un sistema de riego interno, que con las medidas 1234.4 x 1234.4 x 650.2 cm, ha exacerbado el tamaño de un perro educado que espera en el patio del jardín, el ideal humano de dominio sobre su mascota y ha hecho que esta figura autosustentable sea quién cuide de su amo, además de continuar con la tradición Duchampiana de eliminar barreras entre arte y cotidianidad. La mascota no sólo esta en el hogar, sino es quien nos recibe en el museo, aunque no baje la mirada para saludarnos.

Koons, no ha sido del todo un artista innovador, sino controversial y basado en la publicidad de su obra, que es llamativa en forma, pero en fondo debe mucho o toda su fama a los preceptos del arte de Warhol y Marcel Duchamp que ha aplicado y no de manera crítica, sino muy cómoda a la creación de su obra y de su propia vida.

Ignición, cinética y ceniza ... Cai Guo-Qiang

2010-11-20T10:28:00.003-06:00

Cai Guo-Qiang, (China, 1957), uno de esos artistas para el cual el proceso creativo es la parte primordial, expresa a través del fuego, dibuja con la combustión de la polvora. Dejando una marca sutil en la retina y una quemadura en la memoria.

Ignición y temporalidad

Efimera combustión, la obra es un performance, somos parte de la experiencia creativa,dibujos hechos de humo, como Arcoiris negro (Edinburgo, 2005) , fuego progresivo en fachadas como Fallen Blossoms (Philadelphia, 2009) , sobresalta, el fuego artificial que pasa de mero entretenimiento a ser detonador de una idea o un sentimiento.

Combustión y sombras

Pasamos a la obra resultado de la experiencia creativa, los dibujos hechos a traves de ese fuego purificador que viene al quemar con polvora, dibujos a gran escala cubriendo paredes completas, siluetas antagonistas de las sombras blancas de las explosiones nucleares, siluetas que podrian ser los objetos estallando, ardiendo y quedando registrados en el papel.

Tridimensionalidad y cinética.

La instalación no deja de ser impresionante, autos que estallan, inmóviles en el espacio (Innoportune, 2008), el fuego queda suspendido en progresión, la explosión es madera o pequeños dispositivos luminosos que salen, se congelan los instantes y la energía desprendida es palpable. Caminamos a lado de algunos lobos (Head On, 2006) hechos de piel de oveja, corriendo acumulándose hasta que un muro invisible detiene a este vertiginoso torrente de lobos, el mismo impacto al espectador esta vez sin las explosiones, dejándome con esa sensación de que somos como esa manada, corriendo sin sentido y estrellándonos para caer muertos sin saber que era lo que perseguiamos.

Esta semana del 22 al 26 se abre al público la creación de dibujos con polvora, en el estacionamiento del Museo Universitario de Arte Contemporaneo -MUAC- en el Centro Cultural Universitario, más información en el sitio del MUAC. A partir de diciembre podremos ver el montaje resultado de estos dibujos en dicho museo.

Aquí, parte del trabajo del día 24 de noviembre

Y lo que ahora se exhibe en el MUAC

Guillermo Eduardo Martínez Serrano

Fieltro y grasa… la resurrección de Joseph Beuys

2010-11-16T12:00:00.004-06:00

Liebres muertas en collages plásticos, esculturas hechas con grasa y conferencias donde nos hacen conocer nuestro poder creativo, son sólo unas de las obras que Joseph Beuys expone para hacernos pensar no sólo en el arte, sino en la cotidianidad misma.

Joseph Beuys (Alemania 1921- 1986), fue uno de los artistas contemporáneos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX, no sólo por sushappenings y registros museográficos de estos, sino también por su posición critica, política y teórica que hizo al arte.

Su expresión artística estuvo definida por las experiencias de supervivencia derivadas de su alistamiento como piloto en la Segunda Guerra Mundial:

“se estrelló en Crimea y, a punto de morir congelado, unos nativos lo rescataron y lo envolvieron con grasa y fieltro para evitar su muerte”

Este evento marco su vida y la historia del arte, ya que sus acciones y esculturas (con la influencia del movimiento Fluxus), contienen fieltro y grasa como sello personal.

Joseph estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de escultura y en 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo, acercando el arte al público en general, exponiéndolo en lugares de mayor pobreza de las ciudades cosmopolitas y acabando con la distinción entre cotidianidad y arte.

En 1963 Beuys da el primer concierto de Fluxus, con una "Composición para dos músicos" en la cual presenta por primera vez una liebre muerta, a la cual en otra ocasión ofrece una conferencia sobre cuestiones artísticas. Para Beuys las obras de arte son tan efímeras como la vida, al final para completarlas necesitamos descifrarlas, por lo cual quiso crear obras para dar impulsos a la reflexión.

En su propuesta teórica, Beuys da la distinción de artista al espectador, rompiendo con el esquema institucional que ampara a los creadores legítimos y como comenta Eleanor Heartney en el libro Arte Hoy: “…erradica los criterios estéticos tradicionales por los que se juzga el arte (…)resulta difícil aplicar conceptos como originalidad, creatividad o intencionalidad a una obra que para su materialización depende de acontecimientos externos y de las acciones de los espectadores. La transformación del espectador en participante altera de forma radical la definición del artista, pues abre paso a la idea de que cualquiera puede serlo. Así lo practica Beuys defensor de lo que bautizo como escultura social.”5

En este contexto fundó, la Universidad Libre Internacional, junto al premio Nobel de literatura Heinrich Böll, donde expone: cada hombre es un artista, con facultades creativas que deben ser perfeccionadas y reconocidas.

La propuesta de Joseph es que la creatividad de ser humano lo hace artista en cualquier ámbito, y este poder, lo lleva a realizar acciones que ayuden no sólo en un ambiente estético, sino social y político, mejorando la calidad de vida de su entorno. Esto es lo que quiso expresar al exhortar a sus seguidores a plantar árboles, en una de sus obras más interesantes.

En 7000 oaks, proyecto de 1982 para la Documenta 7, exhorto a sus seguidores a sembrar 7000 árboles en Kassel, ciudad que había quedado convertida en cemento por el urbanismo de posguerra. Al lado de cada árbol colocaron una columna de basalto de 120 cm que representaba los esfuerzos creativos del individuo y el colectivo, con el tiempo, las columnas serian minimizadas por los propios árboles…

Sus acciones estaban enmarcadas en un ambiente catártico, bajo el cual, el espectador que realiza su lectura recrea la obra y obtiene un saneamiento cultural, por ejemplo en la obra donde estuvo conviviendo con un coyote durante tres días en una galería, en EU, esta tratando de hacer un pacto holístico entre el ser humano y la naturaleza, pero también entre el pueblo norteamericano y los indios que han sido despojados de sus tierras para crear una nación “libre”.

En 1979, el Museo Guggenheim de Nueva York exhibió una gran retrospectiva de su obra, consolidando su reputación como uno de los más importantes de su tiempo.1

Cabe mencionar que fue este siglo en el que artistas como Jhon Cage también se atrevieron a cuestionar la estética institucional haciendo conciertos con instrumentos musicales infantiles y con ejemplos transgresores como el siguiente: me parece escuchar el sonido de un camión de basura más bello que una sinfonía de música clásica.

En este contexto de crítica artística, Marcel Duchamp decidió hacer de su vida una crítica al arte y con su silencio creativo y dedicación al juego de ajedrez, demostró que en el arte, todo estaba hecho, un epitafio para el arte y sus "ismos" y una bienvenida al arte contemporáneo con sus citas, pastiches y reinterpretaciones que después de Andy Warhol y Joseph Beuys, veremos a manera de una manera creativa y con nuevos medios, pero nunca más novedosa.

Duchamp introdujo la cotidianidad en el museo, con sus ready mades, pero Beuys fue más allá al fundir el arte en la cotidianidad y borrar la frontera entre el museo y la calle, entre la obra de arte aurática y palpable y la obra efímera del performance, donde la acción y la obra mueren instantáneamente… dejando sólo el espacio a la reflexión.

Fluxus.

Fluxus, fue un movimiento neodadaísta que tuvo como objetivo difuminar los límites entre las artes. Fue un movimiento artístico que tuvo su momento más activo entre los sesenta y los setenta. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978), definiéndolo de la siguiente manera:

Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional

Fluxus pretendió hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte separándose de todo lenguaje específico; pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“.

1.-Adolfo Vásquez Rocca

en:

http://www.homines.com/arte_xx/joseph_beuys/index.htm

2.- Wikipedia:

http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Beuys

3.-Pablo Kummetz:

http://www.dw-world.de/dw/article/0,,1866805_page_2,00.html

4.- Wikipedia Fluxus:

http://es.wikipedia.org/wiki/Fluxus

5.- Arte Hoy. Heartney, Eleanor. Phaidon.

Gimena Ki Chan: Una propuesta creativa de recuperación del mundo infantil.

2010-11-09T00:26:00.010-06:00

“Las personas mayores me aconsejaron abandonar el dibujo de serpientes boas, ya fueran abiertas o cerradas, y poner más interés en la geografía, la historia, el cálculo y la gramática. De esta manera a la edad de seis años abandoné una magnífica carrera de pintor. [...]. Las personas mayores nunca pueden comprender algo por sí solas y es muy aburrido para los niños tener que darles una y otra vez explicaciones.”

Antoine de Saint- Exupéry, El Principito, 1942

En la obra cumbre de Saint- Exupéry El Principito aparece una revalorización de las cosas que importan en el mundo infantil y que se van perdiendo al pasar de los años. El principito recibe un secreto de la serpiente: “lo esencial es invisible para los ojos”. En este relato se recupera la importancia de la vida y belleza de una flor así como la relevancia de la amistad y las relaciones humanas. Tanto en el texto como en las ilustraciones, hechas por el propio Saint- Exupéry, existe una referencia nostálgica por el mundo infantil y sus valores. Resulta poco frecuente encontrar a “personas mayores” que entiendan y compartan los valores del mundo infantil, sin embargo existen ejemplos relevantes, como la propuesta estética de la artista Gimena Ki Chan.

Ki Chan propone una estética infantil que demuestra, como las ilustraciones de El Principito, una melancolía por la pérdida de la infancia. En sus obras, que abarcan varios géneros, como pintura, dibujo, instalación y objetos logra la creación de un mundo paralelo, en donde la fantasía tiene cabida. A partir de la aplicación de una gama cromática de colores claros -predominando los rosas, verdes, beige y blancos contrastados con negro- la artista crea ambientaciones en donde la ternura domina el espacio.

La obra de Ki Chan recupera influencias estéticas de diversa índole; acervos populares de la cultura urbana, como caricaturas y manga japonés; tradiciones ancestrales vinculadas con prácticas zen, como el origami; así como la ilustración de libros para niños. Con dichas influencias la artista genera un estilo personal con una excelente técnica en donde conserva un halo de misticismo, así parece que existe algo detrás del misticismo de las piezas en las que, como para el principito, lo esencial es invisible para los ojos.

Josefa Ortega, Noviembre 2010.

infancia insatisfecha... Yoshitomo Nara

2010-11-02T23:47:00.012-06:00

Cuando era niño, los mayores decían que no debía escuchar cosas de adultos, me hacían a un lado... pensaba que su mundo encerraba misterios y enorme sabiduría que hacia que los grandes tomaran las mejores decisiones y que en su conocimiento avanzado, el mundo era suyo, seguro, asertivo... ahora que soy adulto se que no lo es y quedan muchas dudas pendientes a encontrar respuesta, pero inconclusas escondidas en la madurez....

Esta es la sensación que me deja ver pinturas de Yoshimoto Nara, una sensación en primer lugar de insatisfacción infantil creada por estereotipos e ideologías añejas, donde se muestran niños sin manos o sin dedos, que recuerdan a la imagen de los obreros, campesinos y soldados “revolucionarios” de Orozco, pintados en San Idelfonso y que muestran la impotencia ante las injusticias sociales. Para Orozco la clase social trabajadora era la carne de cañon de las ideologías burguesas, para Nara, los niños son los afectados.

Más alla de sus imagenes de niños y perros naïves, Nara hace una protesta contra los valores sociales y estereotipos que se les imponen, valores heredados en medio de un clima de doble moral.

En una de sus obras vemos un infante con un cigarro... la ficción a sobrepasado la realidad y ahora uno de los videos más vistos en youtube nos muestran niños estresados tratando de dejar la adicción al tabaco.

En muchas otras obras, los infantes aparecen con cuchillos, bates y algunos utensilios de cocina, junto con una expresión facial que denota agresión y venganza. La protesta la hace desde la voz infantil: we don´t need no education, muy al estilo de Pink Floyd en The Wall.

El estilo de manga-cómic con que Nara se expresa, esta influenciado por la estética oriental y el estereotipo arbitrario de los ojos enormes de los occidentales, según el artista su estilo es un reflejo pop de la realidad japonesa y marca su ideología icónica con los preceptos de agresión en la música punk-rock: “I like punk rock, but not only as music, but as a sign of independence”

Otra parte de la obra de Yoshitomo Nara esta integrada por representaciones pictoricas o escultoricas de perros, que son los animales que pueden aprender a ser tan dociles como su dueño los amaestre (o eduque) y que al contrario de las expresiones faciales enojadas de los niños, muestran caras satisfechas y están expuestos en posturas circulares continuas.

Yoshimoto Nara nacio en Japón en el año de en 1959 y actualmente expone en el Asia Society Museum starting y en NY en the Park Avenue Armory. Museos en los cuales se presento su retrospectiva en un libro denominado Nobody is fool.

Al rescate del pasado

2010-04-17T21:53:00.038-05:00

Arte Ecológico de Brandon Ballengée

La primicia del arte de Brandon Ballengée es la ecología y la preservación del ecosistema, que debido a la mano y explotación del ser humano, se ha visto vulnerado con el paso del tiempo, a tal grado que muchas especies de flora y fauna han sido extinguidos del planeta tierra, dejando un gran hueco en el ecosistema al que pertenecen y desencadenando problemas como plagas o calentamiento global.

El arte de Ballengée es un arte crítico, que responde a inquietudes mundiales, como lo es la preservación de la ecología y lo que hoy muy en boga se denomina Acciones Socialmente Responsables, pero más allá de eso y dejando volar su mente, lo que busca como creación es la recuperación de animales extintos, por medio de experimentar con distintos animales con características ancestrales específicas, en este caso: renacuajos.

Arte EcológicoPara hablar de Brandon, irremediablemente se llega al tema del “Arte Ecológico, un movimiento mundial cuya filosofía se basa en la protección del medio ambiente, la conservación de la flora y la fauna, y una convivencia armónica entre el ser humano y la naturaleza”. Nohra Corredor El término Arte ambiental (en inglés, Environmental art) o «Arte ecológico» se usa en dos sentidos diferentes.El primero puede usarse en referencia a un arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiente natural, mediante la conciencia de la fragilidad de la naturaleza, investigando fenómenos naturales, usando materiales naturales reunidos en el exterior y no contribuyendo a la degradación medioambiental. Por otro lado, el término también se usa para referirse a un arte específico de un lugar o a escultura medioambiental.

Las raíces del Arte Ecológico datan de finales de los años setenta. En sus primeras fases se relacionó sobre todo con la escultura (Specific-site art), el Land Art, el Arte Povera, habiendo crecido como una forma de crítica hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y potencialmente en desacuerdo con el medio ambiente natural. Al identificar el Arte ambiental su obra podría involucrar restaurar el paisaje inmediato para volverlo a un estado natural. Por ejemplo, a pesar de su mérito estético, la celebrada escultura del artista land art Robert Smithson Spiral Jetty (1969) implicó un daño permanente considerable al paisaje en el que trabajó. El paisaje se convirtió en una forma de campo de residuos. Smithson usó un bulldozer para raspar y cortar el paisaje, afectando al lago.

El arte se convertía entonces en otra forma de contaminación del medio ambiente.Un ejemplo de artista land art comprometido con el entorno, sería el británico Richard Long quien durante varias décadas hizo obra escultórica contemporánea en exteriores, reorganizando materiales naturales que encontraba en el lugar, como rocas, lodo o ramas, y que por lo tanto no tendrían ningún efecto perjudicial permanente.Hay otros artistas ambientales como el escultor holandés Herman de Vries, el escultor australiano John Davis y el escultor británico Andy Goldsworthy que de manera similar dejan el paisaje en el que han actuado sin daño alguno, y en algunos casos han hecho, en el proceso artístico, vuelto a cubrir de vegetación con flora autóctona adecuada tierras que habían resultado dañadas por el uso humano. De esta forma, la obra de arte suscita una sensibilidad hacia el hábitat, como lo es la obra que analizaremos de Ballengée.

Alan Sonfist, con su primera escultura histórica Time Landscape, puesta en la ciudad de Nueva York en 1965, visible hasta hoy en la esquina de Houston y LaGuardia en el Greenwich Village, presentó la idea ecologista de hacer regresar la naturaleza al medio ambiente urbano. Sonfist ha propuesto una red de semejantes lugares por toda el área metropolitana, como una forma de concienciar sobre el papel clave que debe desempeñar la naturaleza en los desafíos del siglo XXI.

Probablemente el ejemplo más famoso de Arte ambiental a finales del siglo XX fue 7000 Oaks (7.000 robles), una protesta ecologista que se representó en Documenta en 1982 por Joseph Beuys, en la que el artista y sus ayudantes subrayaron la condición del medio ambiente local intentando reforestar áreas contaminadas y dañadas con 7.000 robles.

Para Brandon Bellangée el arte Ecologico y sus influencias son descritas de la siguientes manera:

"Creo que el arte puede cambiar la forma de ver el mundo. En América del Norte, el paisaje pintoresco del valle del río Hudson, era un tema de Thomas Cole y los artistas de la Escuela del río Hudson. Cole simbólicamente pintada degradación de Hudson durante la revolución industrial, interpreto esto como una forma temprana de la conciencia ambiental y la protesta y quizás incluso artístico. Casi un siglo más tarde, Joseph Beuys, se bañó y nadó en los pantanos para aumentar la conciencia acerca de estos ecosistemas sensibles. Comparto la afición de Beuys con el barro, mi trabajo es creado a partir de la información, muestras y otros materiales recogidos en las encuestas sobre el terreno o generados en un laboratorio de biología. Mi objetivo es que el público a largo plazo se involucre, tratando de salvar sus ecosistemas locales y la gran diversidad de vida que se encuentra dentro, evitando las causas que originan ésta degradación"

Arte Ecológico y Tecnología.

El Arte Ecológico y la Tecnología son dos ramas que conviven en dialogo a menudo, ya que parte de los materiales de uso para la expresión artística, vienen de reciclaje de objetos naturales, por ejemplo esculturas hechas a partir de basura reciclada o modificada por medio de distintas técnicas; algunas de las obras requieren de maquinaria especializada para intervenir la naturaleza del paisaje, por ejemplo las esculturas de Smithson que utilizan montacargas y maquinaria pesada para realizar composiciones hechas con materia prima de la naturaleza con composiciones a gran escala. Incluso hay artistas que utilizan técnicas sencillas para intervenir procesos naturales, como las manchas de las mariposas por medio de pinchazos en sus alas, como lo hizo Marta de Menezes en sus obras.

Pero también el Arte Ecológico se basa en tecnologías más especializadas, por ejemplo la lógica de la genética que utiliza Brandon Ballengée para la obra a descifrar en este escrito, Species Reclamation.

Por otro lado, el mismo soporte de la obra también puede ser base de crítica, en primer lugar por utilizar seres vivos para la obra, ya lo vimos con la coneja fluorescente: Alba, de Eduardo Kac, ya que por cuestiones de ética, no es bien visto socialmente que se utilicen para hacer arte, sin embargo si para experimentos científicos.

La controversia no termina allí, se ha dado también en los límites que trastoca el arte, que va de lo antropológico, lo médico, lo tecnológico y la historia natural. Fronteras que se empiezan a borrar también en estas nuevas expresiones. Como ha pasado en el caso de Demian Hirts con sus obras de animales en formol y sus anaqueles repletos de material quirúrgico excesivamente clasificado, lo que nos hace preguntarnos ¿estamos en un museo de arte, en uno de antropología, o nos hemos perdido en el pabellón de un hospital?

Obra de Brandon Bellangée

Brandon Ballengée, es considerado un eco-artista y escultor social. Artista que hace pensar en las acciones del hombre que afectan al mundo, por medio de obras que desdibujan las barreras entre arte, biología, tecnología e investigación del ambiente.

Su entusiasmo por estos proyectos nace desde su infancia, como el mismo lo explica:

“crecí en una zona rural, rodeado de bosques y humedales, con pájaros de colores vibrantes y exóticos insectos y sapos. Un arroyo cercano desembocaba en un pantano que estaba lleno de vida misteriosa. Me pasaba muchas horas al día capturando salamandras de colores, diversas especies de peces, tortugas y otras criaturas fantásticas. La naturaleza era mi refugio y el aula.
Cuando era adolescente, los árboles más grandes fueron talados y vendidos a una empresa maderera. Hoy en día, la mitad del bosque se encuentra bajo una subdivisión de la vivienda y la mayor parte de la corriente de agua corre a través de tuberías. Es el mismo proceso en todas partes, ya que los ecosistemas han sido alterados o disminuidos por una creciente ola de hipermercados Wal-Mart, las cadenas de comida rápida, y la expansión continua de los suburbios”.

Gran parte de mis primeros trabajos se ocupó de este sentimiento de pérdida y se infunde con el tema clásico del hombre contra la naturaleza. Como este interés creció quería ir más lejos, así que comencé a colaborar con biólogos y participar en estudios ecológicos. Esto evolucionó en la realización de la investigación biológica primaria y la fusión de mi arte con estas prácticas. La Tierra, una vez más, se convirtió en mi pasión y objeto de estudio”.
El trabajo de Brandon trata sobre investigaciones de deformidades en Anfibios jóvenes, como ranas y sapos, con el fin de conocer si como raza humana, hemos hecho algo al ambiente para que estos seres tengan deformidades o es el curso de la naturaleza misma la que ha creado esos cambios.

"Como artista me concentro en la preservación de la vida silvestre y me preocupa la desaparición de la biodiversidad global, ambos deben ser vistos como un tema primordial”

Species Reclamation

Regeneración genética para la crianza inducida del HYMENO-CHIRUS CURTIPES en una línea temporal discontinúa.
Brandon Ballengée 1999 a la fecha

Esta obra es un enorme esfuerzo para recrear una especie desaparecida de una rana, la Hymenochirus curtipes, al cultivar selectivamente 2 especies relacionadas.

Su obra - instalación incluye fotografías de ranas en varias etapas de desarrollo y cerca de dos docenas de animales reales.

Para Brandon, uno de los aspectos más interesantes de la investigación genética es que se pueda tener la habilidad de restablecer especies animales y plantas que ahora hemos perdido por la extinción.

Es por esta razón que en los pasados años, el artista ha estudiado el declive de la población de los anfibios y sus deformidades, haciendo diversos estudios por Norteamérica y dándose cuenta que toda la población de anfibios del mundo está en extinción debido a la pérdida o destrucción del hábitat natural y la capa de ozono, entre otros factores.

La característica de Species Reclamation, es que combina la fascinación entre los anfibios y peces con técnicas fotográficas de arte comerciales y mezcla la ficción de anfibios de tiempos ancestrales con la tecnología actual con el objetivo de recrear una especia ahora extinta o modificada por diversos factores.

El objetivo radica en que a través de la cría selectiva y controlada de colonias genéticas el artista podrá volver a establecer un modelo de curtipes H puro de una manera de reproducción hacia atrás, recolectando rasgos de especímenes actuales y recreando el original.

Los formatos de la Instalación de Brandon Bellangée son multimediaticos y multidisciplinarios, ya que es un artista posmoderno que basa su arte en una idea, no en un significante, para lo cual hecha mano de distintas técnicas que documentan el proyecto, entre ellas las fotografías digitales e impresas que evidencian el desarrollo y variaciones de las generaciones de anfibios; Una computadora portátil en la que edita y almacena información, imágenes, videos y audios para crear el archivo de la obra viviente y documentar los progresos, así como medio para desarrollar publicaciones acerca del cuidado del ambiente. Vitrinas donde muestra fotografías, escritos y algunos anfibios que pueden ser vistos y estudiados en su apariencia por medio de lupas.

Brandon crea una liga entre el Arte Ecológico y el Arte Conceptual, ya que para entender la obra, hay que recurrir a cierto tipo de documentación científica que aclara el objetivo de la misma.

La muestra de la obra exhibe un ambiente de laboratorio, un tanto clínico un cuanto científico, en donde por medio de mesas de trabajo y fotografías montadas en una narración lineal de avance, se muestra el crecimiento y evolución de las ranas y sus generaciones.

La composición formada por la totalidad de las fotografías-documentos que muestran a los anfibios en evolución es un circulo que recrea un mundo, un mundo de subespecies, anfibios, que a la vez son microscópicos, pero en los formatos de las fotografías de la instalación se leen en distintos tamaños. Un universo que recuerda el filme de Microcosmos, en donde sucede todo a gran escala y al cual está anclado la supervivencia del mundo en general…

El mensaje que da la obra se puede leer de la siguiente manera: somos seres que habitamos en ambientes simbióticos, por tanto debemos protegernos unos a otros para continuar con los objetivosparticulares de cada especia.

El artista ha apostado su idea a la creación de una especie del pasado, un anfibio que ya no existe pero que es útil para el ecosistema en el que se desarrollaba. Su esfuerzo va más allá de la preservación de las especies y nos lleva a la idea de aquel Parque jurasico (1993) recuperado por Steven Spielberg millones de años después de su existencia. Su obra es propositiva, educativa y sobre todo inclusiva, ya que como parte de la misma se realizan trabajos de campo en los cuales adultos y niños pueden conocer más de su ecosistema y de la forma de preservarlo.

La obra de Bellangée deja clara la preocupación actual de la humanidad por el planeta que nos acoge, por un lado está la preservación de las especies que contribuye al balance general del mundo y esta manera de poner un foco rojo en estas especies que están en declive es además de puntual, pedagógica.

El proyecto es tan sólo la punta del iceberg que tiene que conocer la sociedad mundial para evitar problemas futuros, como lo son la falta de alimentos, la contaminación excesiva del mundo, la explotación sin límites de los recursos naturales, el calentamiento global… y tantas preocupaciones que son ajenas hasta que el problema global llega a tocar a la puerta de la casa.

___________________________________

Microcosmos, 1996. Dirigida por Claude Nuridsany y Marie Pérennouhttp

www.greenmuseum.org/www.ysp.co.uk

http://www.ecologicalart.org/

http://www.ysp.co.uk/

Art con Brandon Ballengée
Entrevista realizada por John K. Grande
Publicado en "Diálogos en la diversidad" / 2007 por John K. Grande

Contact the artist: obsoletestudios@hotmail.com

Marta de Menesez… Intimidad hiperreal

2009-11-25T00:26:00.010-06:00

Los retratos pueden ser maneras de mostrar artísticamente a personajes y revelarnos aspectos íntimos que nos hagan reconocer sus pasiones, pero pocas veces han sido utilizados en la forma en que lo ha hecho la portuguesa Marta de Menezes, creando retratos y autorretratos que nos llevan a la hiperrealidad de la representación por medio de imágenes que van más allá de lo superficial y se introducen en el ser de manera peculiar: en su cerebro e incluso en sus genes.

Para la mayoría de nosotros, un retrato se asocia con una imagen corporal, o la mayoría de las veces con una fotografía o pintura del rostro. Para Marta como para Orlan, Stelarc o Kac, la tecnología ha rebasado al ser humano y este se tiene que adecuar a las experiencias que ahora los adelantos científicos nos ofrecen; es por eso que sus autorretratos son hiperrealmente íntimos.

En su obra, Marta obtiene fotogramas del cerebro de una mujer (Patricia) tocando el piano, a través de una imagen funcional de resonancia magnética del cerebro, que permite la visualización de regiones que se activan en tiempo real mientras un sujeto está realizando una tarea; Marta ha modificado las actividades de las personas a las cuales retrata por este medio y las ha orillado a tener actividad cerebral en ciertas regiones, con el fin de modificar el resultado de sus obras momentáneas, registradas en los cuadros congelados a partir de las manchas que crea el cerebro.

Por medio de imágenes digitales en 3D, Marta ha creado autorretratos en base a un código proteico basado en las combinaciones de los caracteres que corresponden a los aminoácidos en combinación con las letras de su nombre, obteniendo imágenes abstractas de proteínas como medio de auto expresión.

En su obra Nucleart Marta “pinta” cromosomas de colores, mostrando representaciones de las diferencias o similitudes entre diferentes especies, por ejemplo, plantas, animales o el ser humano; resaltando que los genes son la razón de las diferencias entre especies; el color de las representaciones es distinto dependiendo la especie estudiada; los puntos que representan ADN se ven alterados en imágenes de un cáncer de colon y muestran la discrepancia con respecto a un colón sano.

En otra de sus obras, Marta ha creado formas naturales en alas de mariposa, por medio de pinchazos en su alas que han modificado las formas y colores naturales, creando arte vivo en un ser que al morir, se llevara con él la obra única efímera.

Es una obra que cuestiona lo natural contra lo creado por el hombre, sin embargo la estética de Marta no viola la naturaleza de la mariposa, la ha intervenido sin consecuencias. La vida de la mariposa ha sido respetada en todo sentido y la genética del animal, continúa intacta… el efecto de la obra de Meneses es perecedero y no continúa en las siguientes generaciones.

De Menezes propone un arte tecnológico, donde la mano del hombre y sus inventos científicos son la base para experimentar y cuestionar el ser: humano y animal.

Utiliza la técnica para demostrar que la imagen audiovisual ordinaria nos ha rebasado, dejando atrás modelos estereotipados de percibir una obra… la imagen de la mariposa es natural pero intervenida a la vez, el soporte de esa obra natural resulta innovador; sus retratos no muestran más que sombras e imágenes abstractas que refutan lo que entendemos en occidente por retratos.

Ahora conocer a Marta no es cuestión fenotípica, externa y corporal… conocerla es meternos en la mínima parte que nos dice la peculiaridad de su existencia: el código genético.

Su estética es abstracta, a pesar de que en sus retratos existe una imagen holística de ella, el material genético contiene todas las características de la artista.

Ya Duchamp pinto imágenes inspiradas en la tecnología de rayos X, por ejemplo la Mujer Descendiendo por la Escalera puede ser leído como un esqueleto de mujer multiplicado una y otra vez y retratado en cada uno de sus movimientos… en un solo frame. Lo contrario del cine, vemos muchos cuadros en un sólo cuadro.

Marta nos hace cuestionarnos quienes somos, ya que la publicidad actual y la imagen de marca individual occidental imponen una manera de ser superficial, basada en lo externo, cuando en realidad quienes somos se compone de miles de pequeñas células que nos hacen seres complejos.

Igualmente nos expone la guerra genética de la cual somos parte en la época contemporánea, donde las firmas cosmetologías apuestan por productos que se inserten en nuestros códigos genéticos y evitan el envejecimiento prematuro, pero también donde la inserción de virus genéticos es parte de la guerra biológica que vivimos a nivel mundial con las epidemias que pueden ser causadas a partir de virus creados in vitro.

Marta nos expone nuestra vulnerabilidad, reduce el ser a células, a moléculas, a códigos genéticos que demuestran metafóricamente la relación del ser humano con el universo, la escala de una célula es a nuestro cuerpo, lo que un ser humano es a él universo.

Por otro lado, cabe mencionar que Marta de Menezes más allá de una artista de arte contemporáneo, puede ser vista como una mujer que experimenta en laboratorios biológicos y hecha mano de la ciencia y la tecnología sólo como medio de autoreconocimiento, aunque en ese acto egoísta, puede llevar al lector a encontrar aspectos reveladores sobre sí mismo.

Marta de Menezes Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Lisboa, realizó un Máster en Historia del Arte y Cultura Visual en la Universidad de Oxford. Ha explorado la interacción entre el arte y la biología, demostrando que las tecnologías biológicas pueden ser usadas como un nuevo medio de expresión y los laboratorios pueden ser estudios. Para ello se ha servido de la utilización de sistemas de radiodiagnóstico o de instrumental y procedimientos clínicos*

*http://www.banquete.org/banquete05/visualizacion.php?id=33

Ciencia + Arte = K A C

2009-11-09T23:24:00.015-06:00

Quiero crear nuevas realidades… Eduardo Kac

La posibilidad de erigir seres únicos vivientes, modificados genéticamente y cambiantes en su manera de comportarse, han llevado a Eduardo Kac ha crear obras de arte sumamente interesantes, polémicas y trasgresoras pero sobre todo, obras que nos hacen cuestionarnos acerca del entorno tecnológico y versátil que actualmente nos rodea y que incluso vive dentro de nuestros cuerpos.

Kac, artista brasileño de 47 años de edad, ha sido el padre de la Coneja que brilla en la oscuridad, ha creado un código genético a partir de una cita bíblica, se ha introducido un chip con información de localización y ha realizado entornos de seres vivos modificados transgénicamente en los que el espectador puede modificar las condiciones de vida de los organismos vía internet, entre otras obras que interactúan con la tecnología, comunicación y el arte.

El arte de Kac se rige por la premisa de que todos somos seres transgénicos.

El arte transgénico se basa en la creación de nuevas formas de vida a partir de información genética; pero debemos dar cuenta que lo que hace Kac no es diferente a lo que somos nosotros, el Proyecto del Genoma Humano ha demostrado que los individuos poseen secuencias de diferentes virus, adquiridas durante el largo proceso de evolución... somos una red ya que en cada pedazo de piel tenemos muchos seres vivos, tenemos en el cuerpo DNA de otros organismos.

El arte transgénico es la manifestación estética de la condición contemporánea, es el laboratorio de la libertad creativa, inventa nuevas formas de vida y demanda la reconozcamos no como un objeto: la obra de arte es un sujeto.

La coneja fluorescente: A L B AEl proyecto comienza con un artículo publicado en 1998 en la revista Leonardo, bajo el título "Transgenic Art"; donde dicta su manifiesto:

Propongo que el arte transgénico sea una nueva forma de arte basada en el uso de las técnicas de ingeniería genética para transferir material de una especie a otra, o de crear unos singulares organismos vivientes con genes sintéticos. La genética molecular permite al artista construir el genoma de la planta y del animal para crear nuevas formas de vida. La naturaleza de este nuevo arte no sólo es definida por el nacimiento y el crecimiento de una nueva planta o un nuevo animal, sino por la naturaleza física o mediática de la relación entre el artista, el público y el organismo transgénico.

De allí nace el concepto creativo de Alba, la coneja "única" de laboratorio a la que Eduardo dota de luminiscencia. En determinadas circunstancias, su piel desprende un fulgor verde, como si se tratase de una luciérnaga al ponerla bajo luz azul.

Alba adquirió esta propiedad debido a que sus genes fueron modificados con proteína verde fluorescente (GFP), una sustancia extraída de las medusas. Cabe mencionar que el arte biológico de Kac lleva con él la premisa del aura de la obra de Arte única, original e irrepetible que Walter Benjamin dictaba en su escrito La obra de Arte en la época de la reproductibilidad técnica.

Alba fue conocida mundialmente en el 2000, año en que también el autor fue atacado por múltiples asociaciones que exigían el cuidado de los animales y por otro lado, la sociedad estaba escandalizada debido a que Eduardo había borrado las barreras de la ciencia y el arte e incluso de los valores en cuanto al trabajo con seres vivos.

Algunas de las críticas atacaban a Kac porque había violado la naturaleza y dotando de características "anormales" a una coneja, por lo cual ya no podría desarrollarse en su ambiente natural. Kac respondió a esto que Alba nunca vivió en condiciones normales, ya que siempre había sido una coneja de laboratorio y por otro lado su fluorescencia sólo se notaba bajo cierto espectro de ondas de luz.

Gen Biblico: G E N E S I S

En Génesis. Kac juega con la teoría de la creación divina y crea una obra trasgresora tomando desde la web, una frase del Génesis de la Biblia:

“Y que el hombre tenga dominio sobre los peces del mar, sobre las aves del cielo y sobre toda cosa viviente que se mueva sobre la tierra”

La pegó en Word, la tradujo al alfabeto morse y creó un código para traducirlo a código genético, hasta producir un gen, proveniente de la Biblia. Luego envió el producto a una compañía especializada en síntesis de genes y dos semanas después, vía Fedex, recibió el gen.

Después incorporó el gen en una bacteria y preparó la instalación con luz ultravioleta en una galería. Las personas en la galería o vía internet, podían elegir emitir una luz ultravioleta sobre la bacteria. Esto causaba una mutación en el ser vivo: la luz cambiaba el gen.

Las cámaras de video registraron el proceso en tiempo real. Una acción local muy pequeña puede tener una consecuencia profunda en un sitio muy lejano, sostiene Kac. Génesis fue galardonada con el premio Ars Electronica en 1999.

En esta obra Kac demuestra la interacción real del público con la obra, lo pone frente al sujeto artístico que modifica y lo convierte en parte del ambiente de la obra, ya que el espectador también es observado vía internet.... y por supuesto, se mofa de la religiosidad que soporta las creencias occidentales, trasgrediendo las palabras del libro sagrado y experimentando con sus Frankensteins genéticos.

E L O C T A V O D Í A

Esta obra consiste en una semiesfera en la que se puede observar una ecología transgénica formada por ratones, plantas y peces. Todos los organismos vivos han sido modificados con el gen de la medusa del Pacífico y producen un brillo verde cuando son expuestas a la luz azul.

Pero además, ha introducido en la semiesfera un “biobot”, comenta Kac: Desde el 97 vengo creando máquinas que son el opuesto del cyborg; es decir, en vez de integrar la tecnología en un ser vivo, se trata de un robot en el que he integrado un grupo de amebas. El biorobot se mueve en el espacio de acuerdo con la actividad de estos organismos, pero también podremos dirigir un poco su dirección desde una página web. El robot se convierte en un lugar de interacción entre organismos y participantes. Además, el biobot incorpora una cámara a través de la que tendremos una perspectiva en primera persona del ecosistema transgénico.

En esta obra que recuerda al gran hermano vigilando un mundo alterado geneticamente, Kac desenmascara en un microentorno, al mundo real; nos enseña que lo transgénico esta entre nosotros pero lo hemos adoptado muy naturalmente, ya sea desde nuestro cuerpo, hasta en los alimentos que comemos, que han sido modificados sin que nadie se haya percatado.

Kac comenta sobre su obra:

"me interesa pasar de la representación a la presentación, que las creaciones salten de la pantalla al espacio físico. Por ejemplo, en una obra anterior llamada “Genesis”, creé en mi ordenador el modelo de una bactería y se lo envié por correo electrónico a la compañía que la sintetizó, y ésta me la devolvió de manera física. estableciese una conexión entre lo físico y lo virtual, entre lo biológico y lo tecnológico. Pretendo crear un universo dinámico entre los dos para romper las fronteras y entrar en una nueva ecología.

Para ilustrar esta idea, en 1997 Kac realizó la instalación A-positive, que consistía en un intercambio intravenoso entre un hombre y un robot. El hombre donaba la sangre; el robot donaba glucosa que alimentaba el cuerpo de Kac.

Ese mismo año presentó el performance Time Capsule. Emitido en vivo por televisión e internet, Kac fue objeto del implante de un chip RFID (identificación por radiofrecuencia) que contenía un número de identificación, mientras se contaban en la pared de fondo con una serie de antiguas fotografías de su familia. Con esta obra, Kac se convirtió en el primer ser humano portador de un implante de microchip y como Orlan, hizo de su implante, una obra de performance en donde su historia personal, salió a relucir por medio de las fotografías que fueron parte de su puesta en escena.

Sus redes híbridas, de espacios físicos y virtuales, desplazan al público dentro de unos entornos que reflexionan sobre la forma en la cual las estructuras y la mediación de la tecnología facilitan y precisan la visión, el tacto, el oído y la voz, de nuevo como con Stelarc vemos las extensiones corporales maximizadas por lo mediático.

Para Kac las fronteras entre lo local y lo remoto, lo humano y lo no-humano, lo vivo y la máquina se empiezan a desdibujar. A través de su obra, explora las conexiones entre lo físico y lo virtual, entre lo biológico y lo tecnológico, con el fin de romper fronteras y entrar en una nueva ecología de lo híbrido.

Citas tomadas de:
Entrevista de José Luis Vicente, "Eduardo Kac, artista electronico", el creador de seres imposibles", originalmente publicado en El Mundo, Madrid, Lunes, 10 de septiembre de 2001.

La expresión electrónica... T R A N S I T I O

2009-10-22T22:23:00.002-05:00

La electrónica es una carrera en la que en los primeros años te enseñan que un transistor es un elemento semiconductor que ... blah blah blah, uno se adentra y dejando toda materia humanística aprende a usar los conglomerados de transistores en pequeños contadores, generadores de onda, amplificadores, sensores, convertidores, rectificadores y una gran variedad de dispositivos que se fueron haciendo más complejos y pequeños, pero también más accesibles.

La gente que nació en la decada de los 60 y 70 han sido testigos de éste cambio, de computadores que ocupaban un cuarto entero hasta el actual que traemos en el bolsillo como medio de comunicación; se ha simplificado el funcionamiento, su uso se ha hecho más accesible y con el paso del tiempo se han colado como soporte y medio de expresión en el arte.

Los dispositivos electrónicos actúan, automatizan...y en los últimos años los artistas se han dado a la tarea de usarlos como la herramienta de expresión.

Artistas que han surgido de estas carreras o se han involucrado por sus cualidades plásticas, usan las posibilidades en entradas y salidas de información que nos pueden dar los dispositivos, así bien tenemos circuitos con una entrada que responde al movimiento de una persona en un cuarto y una salida que mueve un motor y ubica el haz de luz en el objeto que provocó todo el movimiento, como se podía ver en el MUAC en meses pasados.

El arte contemporáneo se ha visto influenciado, por ejemplo en algunos casos donde la música se crea por medio de generadores de onda y es modulada por movimiento del cuerpo, efecto tan común que ya nadie se sorprende, ni aprecia el resultado.

El arte se hace más interactivo y el espectador es parte tan importante de la obra, como el artísta que la realiza.

Nuestra vida se ha automatizado en todos los sentidos para bien y para mal, y así como el contexto se imprime en cada obra, el artista también integra este soporte, que ahora se ha vuelto más accesible y economico. Ahora podemos ver obras en las que sensores hacen que una camara siga nuestros movimientos y este a su vez sea procesado en un monitor, obras que reproducen nuestra imagen a distinto tiempo y en escalas desiguales y en multiples perspectivas, haciendo un retrato cubista de nosotros mismos.
La obra de Gilberto Esparza es un ejemplo de la tecnología dialogando con el arte, en una de sus obras el "objeto" deja su lugar, se automatiza y el espacio se hace parte de la obra. Se pierden de alguna forma los límites y la obra muta cada que un nuevo estímulo provoca una serie de resultados, el cual nunca debe ser el mismo, de ahí la naturaleza espectacular de este soporte.

En el techo del MUAC se mostraron pequeños automátas en un ambiente de cambio constante; y para jugar con la contradicción de lo natural frente a lo artificial, en otra obra un mecanismo hace que una planta tenga la luz que necesita para crecer más rapidamente, ya que la lampara ha sido programada para seguir sus inclinaciones naturales.

Durante días pasados, Transitio expuso en varias sedes él arte electrónico, algunas de las cuales permanecen en la Fonoteca Nacional, Centro de las Artes y Laboratorio Arte Alameda, el cual tiene como función la exhibición y desarrollo de los dialogos entre tecnología y arte.

http://transitiomx.net/
http://www.artealameda.bellasartes.gob.mx/
http://gilbertoesparza.blogspot.com/

CUERPO OBSOLETO: STELARC

2009-10-14T23:46:00.013-05:00

EL CUERPO HUMANO ha sido rebasado por la tecnología y los medios actuales, Stelarc simplemente lo ha declarado OBSOLETO. La raza esta estallando en pedazos bajo el impacto de su propio saber, lo expone también Bruce Sterling.

El australiano Stelarc, máximo representante del body art cibernético y del movimiento cyborg- posthumanista , expresa esta sentencia para justificar sus acciones de transformación corporal con ingeniería genética. Sus múltiples obras en las cuales ha amplificado su cuerpo con ojos laser, una tercera mano, una oreja en el brazo y su sombra digital demuestran su urgencia por manipular el medio tecnológico y acabar con la distinción entre maquina y ser humano.

El trabajo que realiza se ve influenciado por las teorias McLuhianas, donde la creación de los medios tecnológicos son extensiones de las capacidades del ser humano, por ejemplo, la rueda del auto es una extensión de los pies o la Internet es una extensión de nuestro cerebro, haciendo énfasis en que cada nuevo medio altera radicalmente la manera como pensamos y nos comportamos.

Parte importante de su obra temprana (1976-1988) son performances donde realiza suspensiones corporales por medio de ganchos introducidos en su cuerpo y mostradas en distintos escenarios, por ejemplo, volando encima de las olas del mar siendo golpeado por la marea; en una grua a 70 metros de altura o en una galería de Londres durante 3 días.

Body Art puro, en donde la obra queda intangible, pero como registro en video y foto, la expresión del arte inmaterial es innegable. La piel es un objeto de crítica, se vuelve una parte importante del soporte del peso corporal, más allá de la posición del hombre erguido y de lo estético del cuerpo.

Lo interesante del concepto de suspensión, es la escultura corporal insertada en el espacio, visto como parte de otras esculturas del ambiente, no teniendo nada que ver con elementos meditativos. El cuerpo es visto como parte de la evolución de la arquitectura, ya que para el artista EL CUERPO NO ES UN OBJETO DE DESEO, SINO DE DISEÑO.

Stelarc se ha implantado una oreja (2003) hecha de cartílago humano en su brazo, con el fin de expandir no sus capacidades, sino las del público que interactúa con él, gracias a un chip con bluetooth dentro de la oreja de su brazo, en la que se puede escuchar a nivel global y vía internet, lo que la oreja percibe durante su performance.

Esta obra recuerda aquella en donde Stelarc “produce” música electrónica a partir de la expansión de los sonidos corporales, por ejemplo el sonido del corazón que manipula alterando o relajando su sistema cardiaco y potencia por medio de convertidores Doppler o los sonidos de su rodilla amplificados con un corvertidor de ángulo cinético.

Cabe aclarar que parte de la preocupación del arte de Stelarc, es la reproducción del cuerpo a nivel virtual, ya que la hiperrealidad es el espacio que paradójicamente empieza a ABSORBER gran parte de nuestras vidas, ya sea en lo laboral, las inmersiones fílmicas tridimensionales, o los videojuegos que cada vez son más elaborados.

En este sentido ha reproducido copias tridimensionales de su cuerpo en espacios virtuales que se multiplican por medio de pantallas a gran escala durante sus presentaciones y que muestran en un ambiente cubista, la imagen desdoblada del artista, en distintas espacio – temporalidades.

Además del estudio de cuerpo tanto físico como virtual, Sterlac se ha integrado un tercer brazo mecánico, que puede manipular por medio de señales de un electrocardiograma originadas en el abdomen y muslos.

En este intento por manipular el entorno y desplegar capacidades corporales, ha desarrollado a gran escala una araña mecánica de 6 pies (2003), que se mueve a 360 grados con el mando de su cuerpo, retando sus propias capacidades motoras para mover un insecto enorme de 6 extremidades.

Ya Marshall McLuhan lo dijo: “el hombre está empezando a llevar su cerebro fuera de su cráneo y sus nervios fuera de su piel: las nuevas tecnologías engendran un nuevo hombre”.
La filosofía de Sterlac lo resume: el cuerpo debe ser vaciado, endurecido y deshidratado para poder ser un receptáculo mejor para la tecnología.

Stelarc es sólo un ejemplo de muchos relatos posmodernos de ciencia ficción que sólo son un preview de lo que será la cultura cyborg, desarrollándose ya entre nosotros.

Orlan, identidad reconstruida

2009-10-08T01:09:00.010-05:00

Orlan somos nosotros, los comunes en búsqueda de perfección; también es aquella mujer en búsqueda de identidad y pertenencia cultural y sin embargo es la otredad a la cual vemos con lupa y ceño fruncido…

Orlan es lo que vemos como raro y estudiamos antropológicamente, es lo que los cánones de belleza a través de la Historia del Arte han dictado pero que en su conjunto, no la han acercado al refinamiento. Finalmente es un ser que ha apostado su vida a criticar la estética por medio de su cuerpo, cara y las constantes manifestaciones artísticas y performances que ha realizado.

Nacida en Saint Ettiene, Francia y ahora con 62 años de edad, Orlan ha sido una de las precursoras del movimiento cyborg, en el cual la ciencia y la tecnología se insertan en el cuerpo perdiendo su estatuto artificial o maquinal confundiéndose con lo humano. En esta cibercultura el cuerpo funciona como membrana permeable cuya integridad y santidad es violada y amenazada por implantes, producto de una cultura obsesionada por las apariencias.

En su obra titulada Self Hybridation, por medio de maquillaje, atuendos e intervenciones digitales, ha criticado las culturas de tribus indoamericanas o africanas, que como parte de su pertenencia e identidad, obligan al uso de pinturas de colores cubriendo su rostro e incluso obligando al uso de objetos que trasforman parte de su anatomía (collares africanos que alargan el cuello o tablas precolombinas que achatan el cráneo hasta deformarlo)

Orlan presenta esculturas con injertos de pechos en la cabeza, cuestionando la feminidad oculta bajo atributos maternales-sexuales que hacen ver a la mujer occidental como un objeto descerebrado.

En su intento por trascender lo corporal y recordando a Dalí el Divino, la artista se ha auto nombrado Santa Orlan, dando muestras de sacrificio en cada una de sus operaciones que exhibe vía satélite como performances de arte y moda.

Cada operación es un performance donde los cirujanos y Orlan usan vestidos de Alta costura, diseñados por Paco Rabanne, con escenografía compuesta por slogans de las marcas patrocinadoras que borran límites entre arte y publicidad, al estilo de los artistas pop.

Estos actos rompen con el esquema de belleza de las conejitas de Playboy, VH1 y demás canales mediáticos de moda, con el objetivo de imponer su propio retrato estructurado a partir de cuadros canónicos de la Historia del Arte.

El número de operaciones para crear la Obra Absoluta, la Reencarnación de Santa Orlan han sido 9, arte carnal destinado a realizar un collage viviente de rasgos celebres: rostro con la frente de la Gioconda, ojos de la Psique de Gerome, nariz de una Diana de Fontainebleau, boca de la Europa de Boucher y barbilla de la Venus de Boticceli…

A partir de su obra, Orlan ha donado parte de su grasa corporal en frascos denominados relicarios y redactado su Manifiesto CARNAL ART, teniendo como filosofía los siguientes puntos:
1. La crítica a la concepción del cuerpo que inculcó el cristianismo: que el dolor físico se convierta en una forma de redención y de camino hacia el paraíso.

2. La crítica a la cirugía plástica para desviarla de su búsqueda del rejuvenecimiento y para demostrar que la belleza no siempre tiene una apariencia bella.

3. Y la máxima de Orlan:
Nuestro cuerpo solo nos pertenece a nosotros y nadie más tiene el derecho de decirnos cuál debe ser nuestra apariencia”.

Como ella lo ha pregonado…..“He donado mi cuerpo al arte”.

Orlan a visitado la ciudad de México y ha dado conferencias en el Claustro de Sor Juana.

PD. Para conocer un poco más de su obra se recomienda ver los videos al inicio del post.

Takeshi Murakami: Pop Oriental!

2009-09-28T00:48:00.000-05:00

El arte pop se confunde con la cotidianidad y lo ordinario, nos ofrece una nueva lectura de los objetos publicitarios o de consumo, expresando nuevos caminos para cuestionar la cultura que nos rodea a diario y pasa desapercibida.

En este sentido Murakami nos muestra su realidad oriental pop, siendo un artista que como Warhol dicta ideas a un grupo de trabajadores que realizan la obra en su propia Factoría denominada KaiKai Kiki; su trabajo pierde límite entre publicidad y arte, estética del comic u objetos de culto y espiritualidad exacerbada contra anime sensual rayando en lo porno.

Su obra cuestiona tabúes sociales que en occidente y en oriente siguen siendo objetos de censura, en ella, el orgasmo masculino y la lactancia femenina, más que algo intimo, forma parte de un espectacular inicio de una creación universal… la vía láctea naciendo de cada uno de nosotros.

En la contraparte machista de esta metáfora, también muestra a la mujer - objeto, convertida de una adolescente modelo en una nave espacial que lleva como frente la vulva vaginal y la convierte en motor aéreo de la vertiginosa velocidad de la hipermodernidad. Transformación que recuerda la novia de Marcel Duchamp, virgen - mujer disminuida a sus pulsiones y deseos y convertida en maquina procreadora.

Para designar nombre a su trabajo, en sus escritos acuñó el estilo artístico “Superflat”, que se caracteriza por ser bidimensional y tiene como objetivo acabar con los límites entre la alta y baja cultura. Hakuri seduce por sus monumentales obras ya sea de una escultura, una pintura o una instalación, llenas de un colorido exquisito y espontaneo.

Como parte de la producción cultural en serie, Murakami ha realizado videos de sus seres animados con música de Kanye West y ha desarrollado campañas publicitarias con una de las casas de diseño más importante a nivel mundial, Louis Vuitton, en las que las flores y los seres creados en la imaginación del autor, se mezclan con las iníciales y el logo del diseñador, creando un objeto de producción masiva formado con la estética fresca del artista y el estatus de la marca LV. En este sentido cabe destacar los videos publicitarios que realizo para esta campaña, en donde hecho mano de la narración oriental, expresando situaciones en que los seres quedan suspendidos entre objetos y formas geométricas abstractas y dan un paseo interior para encontrarse consigo mismos, surrealidad y pop mostradas en figuras de anime.

Para seguir recordando a su maestro Andy Warhol, Murakami muestra seres monstruosos derretidos o mundos creados a partir de la putrefacción de cuerpos, lo que en su tiempo pinto Andy en sus latas abolladas de Campbells con etiquetas desechas y maltratadas, como metáfora de la descomposición de valores en la cultura de consumo.

La obra de este artista pop, aún no ha visitado México, pero su estética ha sido muy influyente en el movimiento del arte contemporáneo, en donde lo surreal se mezcla con lo cotidiano y los ambientes de relatos del comic occidental y el anime japonés parecen no ser tan ajenos a las situaciones mediáticas y reales del quehacer diario del ser humano, por esta razón invitamos a que conozcan aún más de este artista japonés.

Antony Gormley. Cuerpo y espacio entrelazado

2009-09-18T00:35:00.000-05:00

El cartel de la exposición en el Antiguo Colegio de San Idelfonso, es una invitación reflexiva que permite ver sólo la punta del iceberg sobre el estudio que realiza Antony Gormley sobre lo abstracto y sentimental del ser humano.

Antony Gormley, escultor ingles de 59 años de edad, es un artista occidental, que como buen hijo del Renacimiento, utiliza el cuerpo como origen de su escultura.

Esculturas de humanos realizadas con cubos de metal, dejan ver el sentimiento de figuras pensativas, con intenciones y sueños; así lo muestre como si fuera una imagen expandida al 1000% sacada de ordenador o hecha a partir de moléculas que explotan y se expanden con el objetivo exponer reflexivamente el interior de un otro que a la vez se convierte en un yo.

Uno de los puntos interesantes de Gormley, es que no se limita a esculpir dimensiones y apariencias objetivas de la corporalidad, sino que las lleva más allá, defragmentandolas y agigantándolas al convertirlas en una red gigante de piezas de metal o simplemente deformándolas en aspecto al dejar ver un cuerpo flotante dentro de una masa de alambres entrelazados.

Reta la situación y espacialidad de lo cotidiano en el ser humano, al colgar cuerpos en el techo en una instalación que permite mirarse uno en relación con el otro y a salir de uno mismo, en vez de esconderse cual avestruz, emerge del interior y reconoce lo maravilloso de la vida en el mundo (learning to think).

Otro aspecto significativo, es que muestra la espacialidad haciendo jugar al espectador dentro de ilusiones ópticas de cubos fluorecentes y mostrando la perspectiva física con un camino hecho a de pedazos de pan de bolsa.

Una de las piezas más significativas de la muestra, exhibe un ser en medio de un cuarto obscuro y rodeado de una iluminación cenital. Escultura representativa de un cuerpo en pie, medio encorvado y pensativo hecho de hierro corroído que muestra la soledad del ser humano, su delicadeza y fragilidad ante la vida y el desgaste expresado por la firmeza de la escultura y las partes oxidadas.

Como siempre el Colegio de San Idelfonso alberga una de las muestras más reflexivas de la escena del arte contemporáneo actual, por lo que si esto les sedujo un poco, es mejor que saquen conclusiones y se dejen cuestionar al explorar la obra de Antony Gormley, empiezen a mirar y comiencen a ser mirados por las mismas esculturas.

The White Elephant, Franz West

2009-09-07T19:46:00.000-05:00

Vísceras gigantes, prótesis interactivas, remembranzas a tiendas departamentales y bazares es mucho de lo que se puede apreciar en la exposición The White Elephant del artista austriaco Franz West, quien nos invita a convivir con su obra y ¿por qué no? También a reflejarnos en un ambiente naïeve con aparentes juegos sin sentido que transmiten una sensación de pudor y diversión al mismo tiempo.

En el mismo recorrido vemos panzas enormes y rosadas a manera de fuente ornamental, así como una tripa gigante que sorprende por su verticalidad, entrañas que podrían ser la nuestras, expuestas en gran formato y con un sentido distinto al de digerir y procesar alimentos; más adelante jugamos con los volúmenes y las apariencias, en pantallas de video aparecen “guías” de cómo jugar con la obra, un bloque de yeso hueco pero que parece muy pesado nos sirve para colgarlo en el hombro y ridiculizarnos ante la aparente nada; un video nos explica algo acerca de la cólera e ira y como enfatizarla con un artefacto de yeso que podemos manipular introduciendo la mano en él: una vez realizada la fusión contamos con un súper puño que incita nuestros violentos, pulsionales y primitivos deseos de dar golpes a nuestros acompañantes.

Otra parte de la exposición enfatiza el orden y presentación de los productos listos para el consumo furtivo, como si estuviéramos en una tienda departamental, se ofrecen ante nuestros ojos sillas viejas, percheros hechizos y puertas inservibles que recrean un atmósfera especial de composiciones agradables y reflexivas ante nuestro propio entorno, cuestionando espacios cotidianos y la escultura, con materiales ordinarios: papel maché, escayola, poliéster.

Los espacios y ambientes creados a través del color, el volumen y las formas son sin lugar a dudas una oportunidad de contextualizarnos de otra manera de pensar y sentir en una dimensión diferente, exponiendo nuestras entrañas en proporciones gigantescas y haciendo pensar al espectador en su entorno, su espacio y los materiales con los que juega en cada obra.

La exposición The White Elephant de Franz West se expone actualmente en el Museo de arte contemporáneo Rufino Tamayo del 11 de junio 09 al 13 de septiembre 09, el curador de la obra es Patrick Charpenel.

Arturo Muñiz.

Septiembre, 2009

Cildo Meireles y Petit Mal en el MUAC

2009-08-25T22:52:00.000-05:00

“Un destello entre disgustos”

Desde antes de su inauguración y hasta fecha reciente, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) ha recibido múltiples críticas y despertado disgustos en el medio cultural y académico del país. Esta situación se debe principalmente a tres factores: El alto costo para su construcción y la gran demanda de recursos para su funcionamiento, además de lo ostentoso de su arquitectura -que, como señalan especialistas, rompe la armonía del resto de los edificios del Centro Cultural Universitario- y por último, el poco éxito y lo elitista de sus exposiciones hasta ahora presentadas.

La exposición principal es de Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948) y se extiende a través de cuatro salas y que se presenta desde julio de 2009 hasta enero de 2010, no logra romper con dicha percepción. Con curaduría de Tate Modern y Guy Brett, la exposición del artista brasileño está compuesta por instalación, collage, dibujos y serigrafias.

De esta muestra, que en palabras de los curadores “no busca ser retrospectiva”, son sólo tres o quizá cuatro piezas -de más de veinte que la conforman- por las que vale la pena visitar el MUAC. Entre ellas está “Desvío al rojo”, una instalación que juega con la lógica visual del visitante por medio de la yuxtaposición de simbolismos.

Otras dos piezas interesantes son “Babel” y “A través”. La primera es una torre compuesta por varias decenas de aparatos radiofónicos encendidos al mismo tiempo, con sonidos en diferentes idiomas en una clara alusión al mito bíblico del que toma su nombre. La segunda es un camino, un laberinto de vallas con el piso formado por trozos de vidrio, que nos repele, pero al mismo tiempo nos invita a entrar y con cada paso (al romper los vidrios) sentir libertad.

De menores dimensiones, con muchas intenciones y gran sensibilidad ante el mundo actual, se expone “Petit Mal”, con curaduria de Alejandra Labastida, la serie de doce piezas logra atrapar a los visitantes, desde el principio hasta el final y con ánimo de volver a entrar, cada pieza nos envuelve en curiosidad.

El título de la exposición, es una alusión a la enfermedad neurológica, en la cual, quienes la padecen pueden tener lapsos cortos de perdida de memoria, en términos electrónicos un delay de diez o quince segundos en las funciones interface del cerebro. Bajo este precepto, cada artista ha creado su pieza y en conjunto, logran formar una excelente muestra de actualidad.

“¿Son cuernos? ¡No!, son alas?... podrían ser los brazos de un ave invisible” comentó una visitante ante la primer pieza de la exposición colectiva, “Interactive birds” de Chico MacMurtrie (Nuevo México, 1961). Que presenta una serie de brazos mecánicos, cubiertos con tela o papel blanco, que se mueven de arriba hacia abajo (y viceversa) en sincronía, colgados de una estructura de metal y plástico, ordenados por una interface programada y alimentados con electricidad.

Moscas o zancudos, insectos mecánico-eléctricos colgando del techo o caminando entre desperdicios industriales. Es la fauna posmoderna que presenta Parásitos urbanos de Gilberto Esparza (Aguascalientes, 1975).

Cada una de las obras que conforma Petit Mal podría ser apreciada de forma autónoma y sería disfrutada entre asombro y sonrisas por sus espectadores no obstante el diálogo que se establece en la salas es armónico y su discurso logra ser claro.

Entre las dos muestras del MUAC hay varias diferencias, pero una que salta a la vista radica en las exigencias que hacen a los visitantes. Mientras algunas piezas del brasileño Cildo Meireles exigen un previo bagaje cultural dentro del medio artístico y conceptual, que puede tornarse excluyente; la muestra colectiva, también con elementos conceptuales, logra crear un diálogo más intimo entre cada pieza y el usuario, permitiendo que la fruición estética sea tanto en la dimensión perceptual como conceptual.

Pablo Luna2

pblluna2@hotmail.com

La Trasgresión de la Descomposición

2009-08-25T18:33:00.000-05:00

Catafalco, Teresa Margolles y Semefo, 1997.

El arte es la transcripción y reinterpretación de sentimientos, deseos, placeres e ideas, es también un modo de expresar y compartir, protestar y transgredir, llamar la atención y también darle forma a algo que no se podría o querría decir con palabras.

Uno de los temas recurrentes en el arte es la muerte, la muerte como el fin de todo, la muerte como un deseo de renacimiento, la muerte como metáfora de frustraciones, amores no correspondidos o el duelo ante ese hecho, el único evento seguro en nuestras vidas.

El despojo, la naturaleza muerta, la putrefacción, son algunas formas de mostrar este fin y degradación, el medio expresa la idea de la muerte, sujeto siempre a interpretación y la posibilidad de supedición a la belleza de la obra, no miramos la muerte en la obra, aunque sea esa su intensión.

Cuando el medio de expresión, el soporte, es lo putrefacto, pensar en la muerte es inevitable, aunque no el fin de lo que se expresa, nos viene a la cabeza todo el contexto de lo muerto convertido en parte de la expresión de una idea que no necesariamente es la muerte, lo muerto hablando de la vida, recordandonos la putrefacción que viene después de la muerte, que la muerte tiene una causa y parte del rito implica romper tejidos e inspeccionar órganos hasta confirmar las causas, proceso en el cual el cuerpo ya es sólo un objeto y la sangre una vez que deja de alimentar células se convierte en vehículo de bacterias y otros organismos que cumplen un ciclo.

A veces perfumada, a veces maquillada, la honramos y pronto se guarda y encierra bien en un lote, donde será homenajeada y olvidada en la mayoría de los casos. Bien se puede cremar y de ambas formas nos aseguramos de no saber de los despojos, de los gusanos y demás insectos que hacen su festín de estos restos orgánicos. Actos que solamente reflejan nuestro disgusto hacia la muerte, la propia por supuesto, porque al final la muerte sólo importa a los vivos, porque los muertos ya no sienten nada. Esto lo saben bien quienes trabajan con ellos, los que los recogen en las calles, embalsaman, abren en búsqueda de respuestas, son un montón de carne y otros tejidos a los que no se les puede tener muchas consideraciones, tejidos que pronto se desintegran, líquidos que fluyen y gotean, pronto se convierten en alimento, pronto se llenan de colonias de insectos. Despojos que son clave para el estudio médico, que en algunos casos servirán para descubrir que llevó a la muerte a un individuo o bien saber que nos mata, que nos enferma.

Es el caso de gente como Teresa Margolles, Peter Witkin, Andrés Serrano y Grupo Semefo, que convierten la muerte en el medio y materia prima para la expresión de ideas.

Teresa Margolles, nace en México en 1963 en Sinaloa, estudió medicina forense y ciencias de la comunicación. En los noventas con Arturo Angulo, Juan Luis García Zavaleta y Carlos López Orozco crean Grupo Semefo, su trabajo explora a través de fotografías, instalaciones y video, la muerte, la violencia en ella, los procesos y rituales forenses, su obra transgrede nuestra elección de no querer saber nada de la descomposición después de la muerte y mucho menos saber las causas exactas o bien saber que mueren cientos de personas a diario de formas violentas y que hemos perdido la humanidad ante éste hecho.

Los restos son parte de la obra, el acto de putrefacción, el agua de limpieza de cadáveres que se va la cañeria, cabellos y piel, mostrandonos en algunas obras, los procesos forenses. La obra inevitablemente nos hace pensar en la muerte, muchas veces en el desagradable, sin embargo natural, proceso de descomposición, en la desintegración y en el maltrato de un cuerpo que ya no requiere mejores tratos, que ha dejado de ser un contenedor de ideas o simbolismos. Se convierte en simbolos de la desigualdad, de la violencia, de la deshumanización, ante el dolor.

Nos hace pensar en los muertos que se van a la basura porque no hay más opción, en los muertos que solo son una rutina, un muerto más que no queremos ver, un encobijado que previa fotografía se crema o se va un foso común, a descomponerse anónimamente con otros tantos muertos sin dueño, sin honores, un individuo que solamente se convierte en materia y se olvida.

Tenemos muertos que no nos son incómodos, solo nos estorban; bebés no deseados considerados desechos, muertos que esperamos olvidar pronto o que hacemos como que olvidamos, mientras se convierten en archivos de casos que nunca serán resueltos, en "ajustes de cuentas" que no requieren la búsqueda de justicia.

En una de sus obras, Ajuste de cuentas, presenta Joyería, hecha de oro y restos de vidrio que recoge de la escena del crimen o bien quedaron incrustados en los cuerpos masacrados en tiroteos. Se denuncia a través de sus obras esta violencia extrema a la que nos hemos acostumbrado y hemos aprendido a ignorar, nos recuerda que siguen muriendo mujeres en la frontera, que no son números, muertos provenientes del tráfico de droga en los que no se piensa cuando se dá el “toque” para olvidar un poco el mundo asfixiante en el que se vive.

Restos de cremaciones como maqueta de una tierra de cenizas y restos de hueso, armas que quitan vida, instrumentos que rasgan la piel, piel que como la de los animales se convierte en un accesorio, en una expresión que trasciende al portador.

Así, Teresa Margolles no nos deja olvidar, ni fingir que seremos inmateriales después de la muerte. No es posible ser indiferente, nadie quiere tocar los restos de los muertos, nadie quiere saber de ellos. Vemos noticieros y periódicos amarillistas con gente atrapada en fierros, tirada en la banqueta, encobijada a lado de una autopista, gente sin cabeza y una muerta mas en el desierto, siendo indiferentes y sintiéndonos inmunes y a través de la incomodidad que provoca una lengua perforada putrefacta de un adolescente que ha muerto en una batalla callejera solo queda pensar que algo está mal, muy mal.

Silencio
Guillermo Martínez
Agosto 2009

DAMIEN HIRST, El arte del marketing

2009-08-25T17:31:00.000-05:00

Uno de los personajes más poderosos del arte es Damien Hirst, éste británico que junto a su compañía Science, ha creado todo un sistema de producción artística, mercadotecnia y publicidad, que lo ha hecho encabezar la lista de las figuras más poderosas del arte contemporáneo que año con año publica la revista Art Review y es que todo el marketing y estrategias publicitarias alrededor suyo, han superado los estándares para cualquier apreciación del arte por sí mismo.

Este perteneciente a la escuela de los denominados Young British Artists que saltó a la fama a principios de los noventa cuando el coleccionista Charles Saatchi lo incorporó a éste grupo, característico por la utilización de materiales inusuales y de animales, que ya desde sus inicios gozó de una gran cobertura mediática y ahora pasados los cuarenta, no sólo ha revolucionado la forma de concebir el arte, sino la forma de mercadearlo a la usanza de un buen producto de consumo, no para todo público, eso es un hecho; y es que no hace mucho logró vender materiales de su obra retrospectiva y actual en cantidad de 200 millones de dólares, superando incluso a Pablo Picasso.

Recordemos también los 13 millones de euros que recaudó el Becerro De Oro, en subasta pública, estableciendo un récord en Sotheby’s, galería que realizó el remate, donde 21,000 personas visitaron el recinto, constituyendo lo que ya era una Hirstmanía.

Damien Hirst es el artista más rico del mundo gracias su gran talento sin duda, pero en definitiva también, a las premisas capitalistas que rigen su entorno, donde personas como Larry Gagosian, de los más influyentes comerciantes en Nueva York y Jay Joplin, propietario de la galería White Cube en Londres, lo han reforzado como uno de los grandes artistas del momento.

Estas proezas del marketing se destacan con la venta por más de 74 millones de euros, por ejemplo de una calavera humana construida de platino y diamantes, con más de 8 mil brillantes incrustados de un peso total de 1.100 quilates, destacando que éste es uno de los más claros modelos de la industrialización de su arte, es decir, ya que ésta como otras tantas de sus obras si bien fueron concebidas por él, técnicamente fueron construidas por terceros, en éste caso una joyería londinense.

Hablar de su compañía Science es hablar del centenar de personas que trabajan para él y a los que el artista considera sus obreros, ya que ellos son los que se encargan de cristalizar cada una de sus ideas, ya sea para el taller de pintura, escultura o instalaciones; éstos obreros son quienes han restaurado obras como Madre e Hijo Divididos o el tiburón de la pieza titulada La Imposibilidad Física De La Muerte En La Mente De Alguien Vivo de la cual es dueño el coleccionista norteamericano Steve Cohan y por la que pago más de 9 millones de euros.
Pero al hacer una retrospectiva del trabajo de Hirst y de su modus operandi es inevitable pensar en Walter Benjamín también, y en su ensayo La Obra De Arte En La Era De La Reproductibilidad Técnica porque si bien aunque uno esté frente a una obra en los formatos a la usanza de la técnica de mantenimiento de cuerpos animales en formaldehído, uno supone reconocer lo estético de la pieza, pero no deja de caer en la no evidencia de éste esteticismo como Benjamín plantea.

Indudable es la novedad que causa Hirst ante la transformación de toda técnica en su arte y la operación del mismo, a través de la conservación de animales, lo que habla no sólo de su inventiva artística, sino de la modificación que hace a la noción misma del arte. Es a éste respecto que Benjamín aborda en su teoría sobre la condición de la obra de arte en el seno de las sociedades industriales, la gran dimensión que cobra el contexto económico cultural, pero más allá de eso, los modos de significación, en un nuevo régimen, haciendo plausibles obras como las de Hirst.

De tal forma que éstos cambios que el proceso de modernización capitalista ocasiona en las estructuras de interacción social, determinan las condiciones de aprehensión de arte como el de Damien, donde las condiciones socioeconómicas del entorno que lo legitimiza, (llámense marchantes o grandes galerías de arte) en una hermenéutica sui generis nos hace apropiarnos de su arte como espectadores inmersos en un capitalismo y es que seguramente Sotheby’s equipara perfectamente un banco donde las obras de Hirst cada vez están más a la alza, con todo y que el propio artista dice respetar el dinero y que aunque sea algo muy importante en la vida, lo que hace, lo hace por amor al arte, no amor al dinero, ¿será?

Lo que realmente se apunta con éste acercamiento de la filosofía de Benjamín sobre el trabajo de Hirst no es meramente la reproducción como una posibilidad de copiado, sino como sugiere Max Weber, una suerte de cambio estructural en el sentido de la reproducción misma, es decir lo que se considera históricamente nuevo, el proceso por el cual la técnica que utiliza Hirst a través de sus obreros en un proceso de reproducción de influencias de manera creciente que determinan la estructura de la obra de arte y que dan a la misma un nuevo estatus, ya sea por el cambio que realizan sus obras en la función misma del arte o por su acrecentado valor de exhibición.

Sin duda todos estos acontecimientos son parte de la polémica que desata el artista y que ha contribuido a convertirlo en uno de los más cotizados, calculando una fortuna de más de 300 millones de euros, aunque cabe destacar que algunas de sus ganancias también han tenido fines benéficos como el apoyo a Survival Internacional, Defensa De Los Pueblos Indígenas y Tribales Del Mundo) y a Strummerville, Organización en memoria del músico de Clash, Joe Strummer.

La formación artística de Hirst parte del diseño industrial y es justo ésta la que en gran medida ha otorgado el carácter de pieza industrializada a sus obras, aunada a su educación en el estudio de las Bellas Artes que realizó en Londres; pero compaginando su discurso estético hay otro elemento simbólico que distingue gran parte de sus obras y es el que representa la muerte y la vida, en una dicotomía y dialéctica que refiere a la vida como una especie de paradoja en la que no se puede estar una sin la otra, la vida sin la muerte y la muerte sin la existencia de vida.

Muestra de ello, el discurso manejado en La Imposibilidad Física De La Muerte En La Mente De Alguien Vivo, donde se refiere a un contenido que lo mismo refleja temores o dudas sobre el tema de la muerte, que la incapacidad de concebirla como algo inherente al ser humano, el propio Hirst en algún momento declaró que cuando era niño siempre le decían que no importaba lo que uno hiciera porque se moriría igual, que tal argumento le molestaba y lo hacía pensar que debía tener una salida, y aunque sus obras parezcan ser sobre la muerte, son más sobre la vida, aunque también indirectamente el punto en el que ésta termina.

La naturaleza de lo muerto en general es uno de los elementos que Hirst plantea, desde su anatomía por ejemplo en la obra de The Virgin Mother extensión de la pequeña bailarina de Degas impactante por su contundencia y fuerza biológica.

Finalmente Damien Hirst como el mismo plantea, siempre reflejará o pretenderá reflejar la realidad a través de sus conceptos artísticos según alude con la cita de John Ruskin El arte es sujetar un espejo ante la vida en la que conforme la sociedad evolucione, el arte lo hará.

Ya sea creando entre frascos de medicamentos, litros y litros de formol o instrumentos de disección éste artista proveniente del punk y amante de los Sex Pistols, seguirá trasgrediendo los límites de lo permisible en la construcción del arte contemporáneo, lo mismo con obras donde el elemento principal sea un animal o donde filas de círculos coloreados al azar constituyan pinturas gigantes.

Su arrojado sentido de la manipulación y del espectáculo que lo ha llevado a los términos estrictos de la estética, donde todo puede ser arte, seguirá siendo objeto de campañas publicitarias, asesoramientos financieros, relaciones públicas y estudios de mercado para continuar con la revolucionaria aventura de desarrollar también el tradicional papel de las galerías de arte.

La fama global y una cuantiosa cuenta bancaria seguirán siendo el pan de cada día para Hirst, acompañado de su ejercito de más de cien obreros que ya sea lo lleven por la nueva vía de la pintura como muchos aseguran, o por la inspirada en la ley del dinero de la mano de su agente contable Frank Dunphy, que al fin y al cabo cumplirá con los estatutos de la era del marketing, del todo vale en el museo y en la calle, popularizando porqué no, también en la moda y es que si ya ha llegado a los mercados fashionistas de la mano de Levi’s, con Warhol Factory en el desarrollo de colecciones, porqué no ha de seguir con la osadía comercial en las leyes del mercado en el que él mismo manifestó que de querer vender una obra tendrá que hacerlo por menos, haciéndolas más asequibles a la cultura popular y ahora si convertirse en un producto de consumo masivo, cualquiera de los escenarios finalmente seguirá siendo foco de atención de la escena artística, galerías, marchantes y amantes del arte.

Adrianne Ornellas

Duchamp al desnudo, incluso….

2009-08-24T21:46:00.000-05:00

En la búsqueda de un artista que haya contribuido a la expresión y de-construcción del arte de nuestra época, no viene a mi mente otro nombre que Marcel Duchamp, indudable pilar del arte contemporáneo.

Duchamp ha pasado a la historia por su obra trasgresora y su estilo de vida, que para algunos es parte de su expresión artística, mientras que para otros es sólo un gesto de indiferencia y falta de creatividad, en parte por dedicar los últimos años de su vida a jugar ajedrez y sumado a la creación de cada una de sus obras en miniaturas, que intencionalmente acaban con el aura y la unicidad de su propio trabajo.

Los meritos que se atribuyen a Duchamp resultan escandalosos y vanguardistas. Al ser padre del ready made, rompió con la barrera entre la cotidianidad y el arte, dándole estatuto artístico a un objeto ordinario que carece de belleza y anestesiado ante el disfrute, como muestra tenemos al urinario que convierte en fuente y lo introduce a un espacio museístico.

Además, termina con el concepto de autor/creador, al firmar sus obras con un nombre de mujer, aludiendo a los cambios del destino (Rose Selavy) y negando su propia autoría en estos objetos encontrados.

Estos son sólo algunos de los legados que deja Marcel, acertijos que permiten al arte comenzar una nueva etapa de auto reflexión y ceder espacios a la posmodernidad artística con la creación de obras que cuestionen y permitan conocer mejor nuestro entorno cultural y social.

El Gran vidrio...

El Gran vidrio (1923) declarado por su autor definitivamente inacabado después de 8 años de creación, es una escultura que atrae la mirada del espectador pero no lo requiere, lo invita a descifrarla pero es un enigma que se resuelve a sí mismo a cada segundo, ya que cuenta con orificios y discos, sus ojos espectadores que devoran su propia existencia.

Lo que cuenta el Gran Vidrio está roto, no hay una secuencialidad clara. Está marcado por el velo trasparente de la novia que ha salido a la luz, al romperse el vidrio que enmarca toda la obra…. la ha unificado y ha mostrado que el velo, como mito y ritual, unifica las dos mitades… ha unido a los solteros con la virgen que despojarán.

Duchamp rompió con el estereotipo de belleza femenina, mostrando una virgen que rompe con los cánones establecidos, enmascarándola en la abstracción de su obra, al volverla parte de una historia donde la pulsión es el motor de vida de su propio universo.

Ha dado rienda suelta a su imaginación viendo al hombre convivir con maquinas; hombres que piensan y actúan como maquinas; mujeres que se vuelven maquinas reproductoras y aparatos domésticos, pero a su vez, humaniza con su abstracción y da vida y movilidad a los estereotipos que pinta y monta en el vidrio.

Duchamp creó una obra maestra y notable del arte contemporáneo, con características que rompen no sólo con los materiales de una escultura, sino los valores sociales y morales, en donde la mujer es vista como una máquina de procreación, una virgen que a través de las pulsiones y la narrativa de la obra se convierte en puta, materializando sus pulsiones en una vía láctea que cobija la obra; por otro lado muestra a los solteros como títeres hipnotizados por la virgen, que al activar el molino de chocolate obtienen una mezcla lechosa y espesa que los excita y activa la su masculinidad sometida.

El gran vidrio es una obra que se retoma constantemente como paradigma de las creaciones artísticas contemporáneas, dando pauta a la creación de universos que exponen el pensamiento actual y que dejan ver de manera crítica las complicaciones de lo ordinario.

Jordi Gallo / Agosto 2009.